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Attack of the Herbals

¿"Shaun of the Dead" a la escocesa?

Attack Herbals Grande

Attack Herbals PosterJackson McGregor vuelve a su pequeño pueblo pesquero, “Lobster Cove”, para encontrarse con que el barón local, Bennett Campbell está comprando todos los negocios del pueblo. ¿Todos? Todos no, la oficina de correos del abuelo McGregor se yergue como baluarte frente los designios del tirano.

La vida de nuestro protagonista toma un giro misterioso, cuando un amigo de la infancia descubre una cueva, en los acantilados, con una extraña sustancia, de la cual aprenden a extraer unos delicados tés.

Pronto, los dos amigos preparan un plan para salvar la oficina de correos ofreciendo del adictivo té a los habitantes del villorrio. El dinero comienza a llegar en abundancia, y con él, una incapacidad soberana por parte de sus propietarios para asumir los terribles efectos secundarios de sus infusiones.

Con la ayuda de un predicador alemán, los amigos descubren que el contenido de aquella cueva tenía su origen en experimentos nazis de la segunda guerra mundial… y cuando las cosas no podían ponerse peor, el barón Campbell prueba por primera vez el té maldito.

Attack of the Herbals es otra nueva comedia zombie que bebe directamente de Shaun of the Dead y Evil Dead. No cabe lugar a dudas de las intenciones cómicas, detrás del proyecto, leyendo su esperpéntico argumento, y más, proviniendo de Escocia; todos sabemos los nocivos, pero sabrosos efectos, de los destilados escoceses. Actualmente en post-producción, se espera la distribución después del verano cuando remita el calor; supongo que por eso de no exponer los cadáveres al calor extremo.

Poco se puede añadir sobre este título del director David Keith, que de forma independiente – en su propia compañía – se vende a bombo y platillo como la versión escocesa de la famosa película británica que siempre está en boca de todos. No sé si a un subgénero tan saturado, como el de la “zombedy”, se le puede sacar más tirón, pero parece, y siempre que los proyectos sean divertidos, que nos queda cuerda para rato, en cuanto a echarnos unas risas a costa de nuestros pobres amigos los zombies.

¡Cómo realmente un día llegue el amanecer de los muertos vivientes, vamos a tener muchas cuentas a pagar!

PD: Quiero agradecer a David Ryan Keith, director de esta cinta, su aclaración sobre el elemento “zombie” de Attack of the Herbals. Como el mismo comenta, los efectos del té enloquecen a quien lo prueba; no lo convierten en un muerto viviente. Obviamente, sus distribuidores saben que es más fácil, actualmente, promocionar una “zombedy” que una película que deja un poco de lado a nuestros queridos amigos podridos (aunque hay que reconocer que desde La Noche de los Muertos Vivientes original hasta hoy, se hace complicado distinguir entre zombies, infectados, poseidos y qué sé yo). Desde aquí, le deseamos la mayor suerte posible, porque estoy seguro que habrá elementos interesantes y cómicos, más que de sobra, en los posos de las tazas de té… ¡y sin necesidad de zombies!

POR: Bob Rock el 27/05/11
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Sector 7

Estos orientales y su bizarra pasión por los tentáculos

Photobucket

PhotobucketDespués del tremendo éxito de The Host, por lo menos para los standards coreano, en el extranjero, era fácil pensar que se iban a tirar al trapo con más superproducciones…pero no. Me sorprende tener que haber esperado casi 5 años para encontrarme con otro producto de similar factura como es este SECTOR 7. Chawz, ha estado a punto, pero al final compró los derechos de distribución, y remake, MAGNET FILMS (nuestros mejores amigos ultimamente: HOBO, 13 ASSASSINS, TROLL HUNTER) y de ahí no pasó. Pero parece que con esta las distribuidoras se lo han tomado más en serio. Y que conste que cuando vi quien era el director (Kim Ji-hoon, especialista en comedietas) pensé que iba a ser una capullada de película, pero una vez visto el potente trailer y habiendo recopilado información…la cosa pinta mucho mejor de lo esperado.

PhotobucketEl Sector 7 es realmente una plataforma petrolífera situada cerca de las Islas Jeju, donde se está trabajando, aparte de extraer el preciado oro negro, en un proyecto denominado “Eclipse” para transportar el petróleo en grandes barcos. El supervisor del proyecto, que está a punto de marcharse con uno de los citados barcos, decide hacer una última prospección. Y, tachán!!, problemas. El equipo se hunde en las profundidades marinas. Pronto, comienzan a desaparecer los trabajadores de la plataforma uno a uno, y de formas bastante desagradables. Aparece el bicho, transparente (más o menos) él. Pero queda un grupo de supervivientes que deciden, lo imagináis?, que o el bicho o ellos y su plataforma….No creo que vaya a ser la repanocha, pero por lo menos promete tensión, buenos efectos y los siempre bienvenidos tentáculos!!

POR: Elniniodecristal el 27/05/11
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Behind the Walls

Laetitia Casta, fantasmas, 3D, Lovecraft y un loco escribiendo de ello

Behind the Walls Grande

Behind the Walls PosterRecuerdo que aquel invierno de 1922 fue especialmente frío en Francia, tal que la naturaleza castigase nuestra soberbia. También parece que fue ayer cuando me despedí de Suzzane en Gare de Lyon; su belleza, que solo sucumbía a su fiereza, quedó grabada a fuego en mi mente aquella triste tarde. Tan joven y escondida bajo el peso de su abrigo de armiño, parecía una niña perdida. ¡Nada más lejos de la realidad! Tras nuestro consabido intercambio de abrazos, me confesó al fin que el destino de aquella ruidosa locomotora era una vieja mansión, sita en un pequeño pueblo, donde esperaba concentrarse para escribir su próxima novela. ¡Su linda cabeza bullía de ideas y a mi lado, en las atestadas cafeterías del boulevard St. Michel no conseguía encontrar la tan ansiada paz que sus escritos requerían!

Desgraciadamente, y acorde con la crueldad de este mundo, la desgracia se ceba con lo más bello, lo más frágil. Según me comentó un amigo común pasados muchos meses, una leyenda negra se había forjado alrededor de mi querida Suzzane. Rumores a media voz, cuentos de viejas y chismes la acompañaron en su estancia en aquel villorrio dejado de la mano de Dios. Al parecer, dicen que encontró una misteriosa habitación en los sótanos de la desvencijada mansión que ocupaba. Suzanne se vanaglorió abiertamente, tras sutiles pesquisas sobre el origen de su nuevo hogar, de que tras hallar la habitación “las ideas fluían con antinatural libertad hasta la máquina de escribir”. El cenit de su creatividad lo encontró entre el polvo acumulado durante décadas… ¡ojala lo hubiera hecho a mi lado entre el bullicio de los artistas callejeros y el fragante humo de pipa que siempre se arremolinaba en mi estudio!

Sin embargo, con la inspiración llegó el dolor, pero, ¿no es siempre así? El medico del pueblo tuvo que realizar varias visitas a la mansión puesto que las recientes pesadillas que sufría Suzanne la habían sumido en un estado letárgico preocupante. Las malas lenguas del pueblo dijeron que estaba poseída por brujas y visiones; incluso algunas ancianas, seguramente envidiosas de su ígnea figura, señalaban a mi pequeña muchacha como responsable de la desaparición de varias niñas en la región. ¡Malditas arpías! Acusar de algo tan vil a un alma tan dulce y candida que podría rivalizar con cualquier santa por la canonización.
La cuestión es que tras las palabras de ese amigo común decidí […]

Aquí terminan abruptamente las últimas notas garabateadas por Henry D., renombrado escultor parisino desaparecido cerca del verano de 1923

Espero que sepáis disculpar la “literaria deformación” de la aburrida sinopsis de Behind the Walls, pero sus imágenes, su protagonista y, sobre todo, su marco temporal pedían a gritos algo de divertimento al respecto de la explicación de la trama.

En cuanto a la película en si, podemos hablar de una buena dosis de contradicciones; en primer lugar, la curiosa contraposición de elementos antiguos y modernos. La ambientación no puede ser más gótica (mansión, bellas escritoras, pueblos aislados…), y, sin embargo, se presenta como la primera cinta francesa rodada en flamante 3D.

Dentro de la pura opinión personal (en concreto, creo que dicho envoltorio desvirtúa una historia que pide a gritos seriedad y elegancia), demuestra bastante de la visión comercial del cine “mainstream”, el mezclar cuentos góticos con mareante 3D. Me molestan sobremanera esas escenas rodadas con el impacto del objeto de turno, volando hacia la cara del público, como única meta; creo que rompe la narrativa inherente del cine y, mucho más, en un thriller sobrenatural de época; tiemblo, y no de terror, solo con imaginarme un fantasma en 3D ululando en las retinas que esconden esas feas gafas estereoscópicas. Quizás peque de tradicional, pero la búsqueda pura y dura del “taquillazo” de la semana, hace más por destruir al cine que la denostada piratería. Sinceramente creo en la existencia de un mayor equilibrio entre valores económicos y artísticos.

Después de semejante estamento, el cual espero me granjee duras críticas por parte de alguno de vosotros, queridos lectores; aun queda hablar del otro “punto” fuerte de la cinta: su absoluta protagonista, la bella modelo y actriz Laetitia Casta. Pese a unas dotes actorales no muy desarrolladas, creo que encaja a la perfección dentro del papel de escritora aventurera, capeando temporales sobrenaturales, que todos imaginamos. Sobra decir que, además, su delicado atractivo la hace todo un regalo visual para el aficionado. Un acierto que obviamente obedece más a reclamo comercial que a una idea madurada, de todos modos aplaudo a su protagonista principal, a la que deseo ver pronto atormentada por los envites de siniestras musas.

Siguiendo, tal vez demasiado, el libro de estilo marcado por otras producciones anteriores (Los Otros, El Orfanato o Los Ojos de Julia), que a su vez siguen milimétricamente los pasos de la ghost story del siglo pasado (Shirley Jackson, M.R. James, Poe…) los directores Julien Lacombe y Pascal Sid, debutantes en el mundo del largometraje y que también se encargan del guión – otro dato escamante a tener en cuenta – presentaran el 6 de Julio en Francia este ambiciosos proyecto, que aparte de causar furor en la taquilla, uno espera que sea un compendio de “art decó” (la ubicación temporal y física lo pide a gritos), suaves escalofríos, técnica deslumbrante, una protagonista que lo entregue todo y una ambientación victoriana que le pusiese los pelos como escarpias al mismísimo Lovecraft (el argumento tiene muchos puntos de unión con las historias del autor de Providence).

Muchas contradicciones que a uno le dejan cavilando y soñando ensimismado con Laetitia Casta en camisón…

POR: Bob Rock el 25/05/11
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Territoires

Mejor no salir de casa

Territoires Grande

Territoires PosterCinco amigos vuelven de una boda en Canadá cuando, justo en la frontera, una pareja de policías los detiene por posesión de marihuana. Lo que no debería pasar de una simple multa, se transforma en una pesadilla cuando los cinco amigos son conducidos de malas formas hasta un campo de prisioneros en lo profundo del bosque. ¿Quienes demonios son esos dos agentes viciosos, agresivos y violentos? ¿Qué destino les espera en el inhóspito campo de prisioneros? ¿Alguna vez volverán a casa? La espiral se cierra cada vez más…

Premiado thriller franco-canadiense, aunque rodado en inglés, del debutante Olivier Abbou que viene “avalado” por la producción de Raphael Rocher (productor de la insuficiente La Horde). En palabras de sus propios creadores, un controvertido survival horror forestal en el cual su director proyecta tanto inquinas políticas como alegorías fascistas; algo bastante evidente una vez visto su trailer (¿alguien ha nombrado Guantánamo?).

Una cinta a priori interesante, donde ojala el discurso violento no sirva de mera cortina de humo para un argumento vacío – creo que los personajes de los “policías” pueden dar mucho de si, así como el paisaje boscoso que, para que negarlo, da bastante “cangelo” -. Apunto de estrenarse al otro lado del charco, y que pese a venir tras la estela de cientos de películas anteriores (no parece este el momento ni el lugar para soltar una diatriba sobre el cacareado “torture porn”), refleja una manufactura más que correcta y un sabor a thriller “añejo” que invitan a seguirle la pista al proyecto.
Premios aparte, esperamos más noticias de una nueva revisión del subgénero “no vayas nunca de viaje”…

Tras la consabida publicidad… el trailer (¡qué tiempos vivimos que hasta para ver un miserable trailer tenemos que tragarnos anuncios!)

POR: Bob Rock el 24/05/11
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Hobo with a shotgun

Hobo en la ciudad del pecado

Hobo with a shotgun

  • Título original: Hobo with a Shotgun
  • Nacionalidad: Canadá/USA | Año: 2011
  • Director: Jason Eisener
  • Guión: John Davies
  • Intérpretes: Rutger Hauer, Molly Dunsworth, Brian Downey
  • Argumento: Un viejo indigente decide impartir justicia en Scum Town con la única ayuda de su escopeta.

LA VALORACIÓN:

85 |100

Estrellas: 5

Hobo with a shotgun

Con motivo del estreno del díptico Grindhouse de Quentin Tarantino (Death Proof) y Robert Rodríguez (Planet Terror), se organizó un concurso de fake trailers del que se alzó como triunfador el canadiense Jason Eisener con el trailer de una, por aquel entonces, inexistente película titulada Hobo with a shotgun.

Cuatro años más tarde y después de que el propio Robert Rodríguez llevase a cabo en 2010 la adaptación de Machete, otro de los falsos trailers que acompañaron a Grindhouse en su estreno, ha llegado la hora de que Hobo with a shotgun se vuelva purulenta, grotesca y jodidamente real.

Los cansados huesos de un viejo indigente que viaja en tren sin destino conocido, recalan en un infierno urbano conocido como Scum Town. Su intención no es otra que la de sobrevivir en las calles gracias a las limosnas que vaya logrando día a día y permanecer totalmente ajeno a los problemas que asolan la ciudad. Pero una prostituta en apuros despierta su instinto protector y acaba enfrentado a un mafioso local que controla con mano férrea cada uno de los rincones más oscuros de una ciudad que apesta a corrupción, perversión y podredumbre.

Armado con una simple escopeta, Hobo, que así se llaman el indigente, sembrará el caos en Scum Town y pondrá en pie de guerra a toda la escoria de la ciudad, incluidos un par de guerreros motorizados y ataviados con armaduras a los que se conoce con el nombre de La Plaga.

Tras los primeros instantes de Hobo, en los que vemos a su protagonista, un inconmensurable Rutger Hauer, viajar en un solitario vagón de tren recorriendo unos paisajes saturados de color (simpática la credencial de “Color by Technicolor”) al compás de una impresionante banda sonora (y os lo dice alguien cuyo oído musical es prácticamente nulo); podemos empezar a extraer las primeras conclusiones: Hobo with a shotgun rememora a la perfección los direct to VHS de principios de los 80. Y lo hace sin necesidad de llenar la pantalla de arañazos, quemaduras, variaciones de color y otros recursos de similiar catadura a los que han recurrido un buen número de subproductos en los últimos años para justificar su adhesión al, en ocasiones, mal llamado grindhouse.

De modo que en el plano formal Hobo with a shotgun que, efectivamente, esconde en su estudiada estética el homenaje a una determinada manera de hacer cine de finales de los 70 y principios de los 80, cumple sobradamente con sus objetivos, hasta el punto de presentarse como un producto mucho más auténtico, y mucho más grindhouse (sea lo que sea que quiera significar dicho término) que el díptico de Rodríguez/Tarantino al que hacia referencia en el inicio de esta reseña.

Pero una vez queda claro que visualmente Hobo with a shotgun es una auténtica gozada para nostálgicos empedernidos, queda dilucidar si la película de Eisener va más allá de un envoltorio atractivo y logra eregirse como lo que realmente pretende ser: un exploit provocativo, rabioso y tremendamente divertido.
Por mi parte no cabe ninguna duda. Hobo with a shotgun es todo esto y mucho más. A través de una historia sencilla que nos trae a un solo tipo enfrentado, con la única ayuda de su vieja escopeta, a la corrupción de toda una ciudad (un argumento que el propio Clint Eastwood hubiera hecho suyo para cualquiera de sus viejos westerns), Hobo with a shotgun es capaz de ofrecernos uno de los más delirantes, surrealista, degenerado e histriónico espectáculo cinematográfico que he tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos.

Eisener lleva a sus personajes al límite, de manera que mientras Hobo es todo un compendio de valores humanos (justicia, caridad, compasión…) capaces de emerger de la marginalidad más absoluta y manchados por un reguero de sangre (no olvidemos que, a pesar de sus valores, Hobo no deja de ser un antihéroe que resuelve los conflictos tomándose la justicia por su mano… y de manera extraordinariamente violenta); todos los villanos de Scum Town son el paradigma de la locura, la maldad y la irracionalidad llevados a tales extremos que acaban rozando la parodia o la caricatura. Y no solo la variada fauna de excéntricos y excesivos personajes que pueblan Hobo with a shotgun son un rotundo acierto. Eisener también es capaz de modelar una caótica ciudad, Scum Town, en la que cada rincón es un agujero de corrupción e inmoralidad. Una moderna Sodoma y Gomorra que sucumbirá, no ya ante la ira de un Dios vengativo, sino ante el cabreo monumental de un homeless dispuesto a defender su ideal de justicia a tiro limpio. Prostitución, drogas, rapto de menores, violencia gratuita, corrupción de las instituciones públicas, violación, tortura, asesinato, incluso un Santa Claus pedófilo que ya aparecía en el trailer original… de todo cabe en Scum Town… y en grandes cantidades.

Y una vez sabemos quién es el bueno, quiénes son los malos, cual es el escenario, y cual el conflicto (no hay sorpresas al respecto)… es la hora del espectáculo. Violencia, gore, mucho humor negro y un puntito de surrealismo (genial el destino final de uno de los hijos del villano). Secuencias tan impactantes como la del autobús escolar al ritmo del Disco Inferno de los Trammps, la del desgraciado hombre-piñada vapuleado por un trio de putas en topless, o la memorable presencia de La Plaga (Dios… necesito ver a estos tipos nuevamente en acción… y pronto); son solamente algunos de los detalles que hacen de Hobo with a shotgun una de las experiencias más satisfactorias que he tenido la oportunidad de disfrutar en muchísimo tiempo.

A todo ello hay que sumarle unos deliciosos diálogos que muy probablemente hubiera firmado el mismísimo Tarantino y que, en aquellos instantes en los que el gore y la violencia no son los protagonistas principales, logran que la película mantenga un excelente nivel y que el espectáculo no decaiga en modo alguno.

Una película distinta. Extraña. Una auténtica rareza. Inmoral, excesiva, grotesca, esperpéntica… y muy, muy divertida. Y por si fuera poco Hobo with a shotgun supone el resurgimiento de sus cenizas del que para muchos es un artista de culto: Rutger Hauer (Blade Runner, Lady Halcón). La suya es una de esas actuaciones que te hacen pensar que la película no podría existir sin su participación, sin su mera presencia. Hauer es el único Hobo posible. Su interpretación derrocha fuerza y honestidad, y suyo es todo el mérito de lograr que su personaje siempre sea creíble, por más que el argumento de la película tienda peligrosamente hacia la insensatez o la paranoia.

Una paranoia perfectamente encarnada en el personaje de Drake, un mafioso con aires de grandeza que tiene atemorizada a la población de Scum Town y sobornado a todo el cuerpo de policia. La némesis perfecta de Hobo gracias en buena parte a la desmesurada interpretación de Brian Downey, capaz de ofrecernos un imposible abanico de gestos faciales tan solo al alcance de un Bruce Campbell (saga Evil Dead) en plena forma.

No me queda nada por añadir. Disfrutadla. Dadle una oportunidad. No es una película fácil, y muy probablemente no gustará a todo el mundo. Pero os aseguro que vale la pena correr el riesgo. Hobo with a shotgun está, como mínimo, a la altura de sus padres putativos, Planet Terror y Death Proof; y sin duda alguna le da sopa con ondas a su hermano bastardo, Machete. Altamente recomendable. ¡Larga vida a La Plaga!

Lo mejor: Humor, gore, fotografía, música, interpretaciones, diálogos... y por supuesto "La Plaga"

Lo peor: Lo de siempre... ¿se distribuirá de algún modo en nuestro país?

POR: Joan Lafulla el 23/05/11
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The Tunnel

Bajo las grandes ciudades habitan monstruos

The Tunnel Poster

  • Título original: The Tunnel
  • Nacionalidad: Australia | Año: 2011
  • Director: Carlo Ledesma
  • Guión: Enzo Tedeschi, Julian Harvey
  • Intérpretes: Bel Deliá, Andy Rodoreda, Steve Davis
  • Argumento: Un equipo de televisión se sumerge en los túneles subterráneos de Sydney en busca de una historia, sin saber que la historia también le busca a ellos.

LA VALORACIÓN:

78 |100

Estrellas: 4

Photobucket

1.-HECHOS:

PhotobucketHace ya un tiempo que me había prometido a mi mismo que no iba a volver a ver ninguna película que estuviera rodada en formato semi-documental o mockumentary o “supuestas” historias reales estrenadas con la excusa de “metraje encontrado por la Policía de…”, en vez de currarse un guión de película y rodarlo como tal. Hace poco caí en la trampa de RE-CUT, y me cabree un rato (aunque no es tan horrible como “alguien” me dijo, las he visto mucho peores). Pero es que THE TUNNEL es diferente, de hecho ha sido diferente desde un principio.

Digo desde un principio porqué tal vez sea esta la primera película estrenada bajo el brumoso concepto del crowfunding, o financiación en grupo; lo que viene a significar que una película (o proyecto, o Fundación…pero relacionado con Internet) basa su producción y desarrollo en la ayuda de aficionados entusiastas que decidan colaborar con unos eurillos para llevar a buen puerto un fin común. Desde que se dió a conocer THE TUNNEL dejó bien claro que esa era su principal fuente para poder terminar la película. A cambió ofrecía uno de los 135.000 fotogramas de la película, aparecer en un póster especial (el que hemos subido) y sentirse partícipes de “algo especial”. Una vez visto la película tengo que decir, honestamente, que me hubiera gustado formar parte de este proyecto…Otra de las recompensas de la película, pero esta para todos, ha sido el lanzamiento legal del torrent para que todos la pudiéramos ver al mismo tiempo. No sé, tal vez el asunto merezca un debate más sesudo acerca de la propuesta, pero a mi me parece un acierto tremendo por parte de la productora; sobre todo teniendo en cuenta que se va a estrenar en cines (por ahora solo en Australia) y saldrá a la venta en edición especial de 2 DVD’s.

PhotobucketHablemos de HECHOS….Un hecho es que bajo el suelo de Sydney yace una de las redes subterráneas de ferrocarril más grandes del mundo, tan grande que cuenta con su propio lago de 1 kilómetro de largo y 10 metros de ancho;otro hecho es que los túneles datan desde mediados de los años 20 del siglo pasado, y que han servido desde como granja para cultivar setas hasta como refugio durante la II Guerra Mundial; y otro hecho es que desde principios de los 90 hasta hoy en día el Gobierno de Nueva Gales del Sur ha considerado varias maneras para aprovechar ese agua y los enormes túneles abandonados como recipientes para contener agua reciclada, pero por una razón u otra los planes siempre se han quedado en agua de borrajas. (FUENTE: http://en.wikipedia.org/wiki/St_James_railway_station,_Sydney). Ahora nos movemos a la ficción….

2.-FICCIÓN:

PhotobucketFicción es, eso es evidente, por mucho que nos digan que la policia no ha querido pronunciarse sobre el suceso de la desaparición….bueno, espera, que me adelanto. Los principales protagonistas de la película son un equipo de televisión que, sin mucho convencimiento, se pone tras la intuición de una presentadora que ha olido algo turbio tras el cierre de la última intentona del Gobierno de Sydney para convertir los túneles abandonados en plantas para reciclar el agua. La noticia va tomando más interés cuando van apareciendo indicios de “sin techo” desaparecidos (escalofriante la entrevista con uno de ellos), cuando representantes del Ayuntamiento se hacen los orejas de forma poco usual, y, que demonios, sólo es bajar a los túneles media hora, grabar un poco, editarlo y darle a conocer a la gente algo que no conocen.

Pero no es así. Para empezar no consiguen el preceptivo permiso y se tienen que colar por un tunel abandonado, es decir, tirar de mapas y perderse un poco. Luego el técnico de sonido comienza a escuchar ruidos extraños que no deberían estar ahí, encuentran restos evidentes de que ha habido gente viviendo hace poco en los túneles, pero ni rastro de ellos. Y entonces desaparece el citado técnico de sonido, en una secuencia tremenda, y el “sencillo” reportaje adquiere tintes de juego de supervivencia contra algo desconocido, grande, y cruel….

3.-RESULTADO:

PhotobucketEl resultado podría haber sido una más, sino fuera por el planteamiento técnico y narrativo que el director y los guionistas utilizan. Alternando entrevistas con los reporteros con partes del metraje del reportaje, añadiendo escenas supuestamente intrascendentes de los momentos previos y, lo más novedoso desde mi punto de vista, el punto de vista externo de cámaras que están cerca de los hechos (de tráfico, del Metro, de la Policía…) que consiguen que, sin apenas darte cuenta estés tan metido en la historia que realmente te creas que estás viendo un reportaje del Canal Historia, eso sí, con bicho. De hecho, los actores lo hacen de forma tan creible que me recuerda a la protagonista de REC, con la diferencia de que la actriz española venía de presentar los 40 y se le notaba a kilómetros, y los que vemos aquí son actores, no muy conocidos, pero actores y marcan una diferencia.

PhotobucketParadójicamente, lo mismo que le da ese matiz de autenticidad y genuino terror, hace que se resienta, especialmente en el ritmo, que no esté muy compensado. Comenzamos conociendo cuales fueron los pasos que llevaron al grupo de periodistas a meterse en la boca del lobo, de forma cronológica, y eso tal vez lleve a más de uno a cansarse a la media hora cuando piense: “¿cuándo coños comienza la chicha?”, y en el momiento que comienza es como si le metieran el óxido nitroso de las pelis esas de coches: que todo comienza a pasar un poco demasiado deprisa. En el momento es lo que corresponde, y para claustrofóbicos como yo hay momentos realmente angustiosos: baterías que se acaban, cámaras que se caen y dejan entreveer “algo” que merodea cerca de los protagonistas sin que ellos lo sepan, pasillos angostos que desembocan en callejones sin salida, agujeros en los que no entrarias ni por un trio con Taylor Momsen y Kelli Scarlet, y todos los recursos necesarios como para que se te encoja el corazón y te sorprendas a ti mismo diciendo: “Por ahí no, por ahí no, por diosss!!!”. Ese contraste tan marcado entre la primera mitad de la película y la segunda hace que quede algo descompensada, pero lo importante es que la espera merece la pena, es decir, a-co-jo-na.

Parte de la culpa, que no se me olvide, la tiene la excelente fotografía (a pesar de ser cámara al hombro no llega a agobiar), y la BSO que alterna ruidos cuasi-industriales con largos momentos en los que solo se escuchan jadeos, pasos a la carrera y algo siniestro que se va acercando…

Por lo tanto, en lo que a película de tensión con bicho, cumple con creces (mucho más de lo que honestamente esperaba); como “falso documental” sale mejor parado que la mayoría de lo que estamos acostumbrados a ver, de hecho llega a ser muy, pero que muy verosimil. Resumiendo: un triunfo por parte de la productora y los crowfunders que confiaron en la idea.

Lo mejor: La credibilidad, la ambientación y la tensión de la última media hora.

Lo peor: Cierta lentitud en la primera mitad de la película.

POR: Elniniodecristal el 23/05/11
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Ubaldo Terzani Horror Show

El Viejo Terrible

Ubaldo Terzani

  • Título original: Nelle fauci di Ubaldo Terzani
  • Nacionalidad: Italia | Año: 2010
  • Director: Gabriele Albanesi
  • Guión: Gabriele Albanesi
  • Intérpretes: Giuseppe Soleri, Paolo Sassanelli, Laura Gigante
  • Argumento: Alessio es un joven director al que le encargan escribir un guión junto a Ubaldo Terzani, un escritor macabro, cuya leyenda oculta un sangriento secreto.

LA VALORACIÓN:

70 |100

Estrellas: 3

Ubaldo Terzani Grande

Alessio es un joven y apasionado director italiano cuyos guiones siempre son mirados con suspicacia; quizás su excesivo celo en la búsqueda del horror, a través de las miradas inquietas de otros cineastas anteriores, convierta su narrativa en un círculo cerrado carente de voz propia y originalidad
Un productor amigo, con muy buenas palabras, le hace ver que sus guiones serán siempre rechazados si no busca una inspiración interna y un discurso más auténtico. Para ello, le ayuda a ponerse en contacto con el famoso, a la par que misterioso, escritor de novelas de terror Ubaldo Terzani. El mismo productor estaría dispuesto a apoyar el desarrollo de un libreto que hubiesen escrito a medias, así que Alessio se pone en contacto con Ubaldo, imbuyéndose en su magnética personalidad con el fin de encontrar la quintaesencia, la piedra filosofal que transforme meras ideas en escalofríos vertebrales.
La primera lección es sumergirse de lleno en el pozo del miedo primigenio para poder plasmarlo en pantalla. Así, Alessio comienza a vivir su propia película de terror plagada de pesadillas, alucinaciones y evisceraciones; fiesta pagana presidida desde su trono de huesos por la inquietante y fija mirada de Ubaldo Terzani

Gabriele Albanesi, joven escritor y director de una cinta más que demuestra que el género terrorífico “autentico” en Italia solo está dormido y no muerto – como el alto sacerdote de los primigenios allí en R’Lyeh -; nos trae una obra independiente de escasos recursos que indaga en la creación del artista y la procedencia de las musas, desde un punto de vista, evidentemente, sucio, directo y perverso; como no podría ser menos viniendo de la península de la bota.
El responsable de The Last House in the Woods (2006), otra mirada puesta en el ayer, concretamente hacía la época dorada de los ochenta, cuando el spaghetti-terror reinaba inmisericorde en los video-clubs de barrio; parece haber querido excavar en la tumba de ese cine espantoso y encantador, de hace décadas, de dos formas claramente diferenciadas:

1.- Por una parte, apartamos los abotargados gusanos de la mítica cinéfila alrededor de celebrados autores como Lucio Fulci (Ubaldo Terzani fue en la gris realidad director de fotografía y operador cámara de Mario Bava, Fulci y Dario Argento, entre otros). Pero no todo queda en Italia, el título original de esta producción era In the Mouth of Ubaldo Terzani, rendición obvia a uno de los mejores trabajos de Jhon Carpenter, cineasta explotado hasta la saciedad por decenas de casposos directores italianos. En cuanto a la decisión de cambiar el título del film, no tengo muy clara cual pudo ser la causa; en todo caso, es cierto que con la nueva denominación se pierde gancho pero se gana en personalidad puesto que, además, la que hoy nos ocupa no tiene nada que ver con la encomiable En la Boca del Miedo, a lo sumo el detalle de usar la figura de un escritor de novelas de horror como eje central de la trama. El homenaje no queda ahí, puesto que para dotar de una mayor verosimilitud a las atrocidades carnales que van guiando al argumento hasta su sangriento desenlace, Albanessi ha contado con la colaboración de lujo de Sergio Stivaletti (Demons, Creepers), afamado especialista en efectos especiales y colaborador constante de los grandes directores del género.

2.- Por el otro lado, levantamos la carcomida tapa del ataúd que guarda el corazón del terror. Ubaldo Terzani Horror Show es también un estudio, o disección si lo preferís, sobre la motivación que se esconde tras la narración de todo cuento macabro. Una aproximación fantástica, y nostálgica, a la creatividad artística y a la psique de aquellos locos que buscan expresarse cara a la galería mediante escalofríos, sustos y degeneración. Por supuesto el acercamiento viene de la mano de, y aquí la nacionalidad de la cinta no iba a ser un dato desdeñable, un recargamiento gótico (incluso erótico) muy propio del romanticismo y que donde mejor se ve, es en las pesadillas y alucinaciones que acompañan a nuestro protagonista en el descenso a las entrañas de Ubaldo. La premisa es simple, el tormento y la frustración alimentan la hoguera del verdadero horror, y acercarse mucho… quema.

Así pues, nos hayamos ante una película en absoluto casual, todo un tributo a los fans acérrimos del “fantaterror”; hecho que al convertirse en único estandarte de la película, se convierte en su gran fortaleza y en su mayor debilidad: es imposible disfrutar convenientemente de la humilde obra de Albanesi sin haberse acercado antes a las cintas de las que bebe; y no solo eso, la cinta también requiere del espectador que se involucre intelectualmente en las disertaciones filosóficas que alimentan la evolución de los personajes. Y solo veo posible involucrarse de esa manera, cuando tus gustos y aficiones gozan de un porcentaje terrorífico muy elevado. En definitiva, no apta para aficionados noveles que probablemente se aburran pronto ante las disertaciones sobre la miseria humana y la creación de monstruos imaginarios.

Y cuando un plato mantiene su exclusividad solo para paladares selectos es porque esconde sutilezas cuyo poder de seducción es equiparable con el tremendo esfuerzo que el gourmet realizó en su día para poder presumir de la sensibilidad de sus papilas gustativas. Estos aromas únicos y prohibidos, serían básicamente dos:

a) La actuación de Paolo Sassanelli como Ubaldo; un personaje hipnótico, luciferino, apasionante, mefistofélico, prohibido, mesiánico, blasfemo, lujurioso, corrupto, seductor, inteligente, sexual, satánico. Un Alister Crowley metido a novelista, por decirlo de otro modo. Tamaña personalidad es el hilo central de la historia, es el planeta alrededor del que un fascinado Alessio orbita sin conocer los peligros en los que su creciente admiración le está metiendo. Genial la sintética escena donde el joven director a punto está de besar el diabólico escritor, embelesado por la cadencia de sus palabras.

b) Las escenas gores que van salpimentando una cubierta de decadencia y perversión – transmitidas como si de un virus se tratase por parte del todopoderoso escritor -; estas secuencias son expuestas en la mejor tradición, marcadas por la mano del ya mencionado Stivaletti, viscerales y dolorosamente realistas, lejos de convertirse en la principal motivación de la película, sirven como granate guinda del sanguinolento pastel. Un guiño que el aficionado talludo disfrutará y que, sin embargo, las generaciones crecidas al diluido amparo de Hostel, Saw o peores, encontrarán risible. Aquí serviría lo que, en las últimas semanas, me he emperrado en llamar como “test Gorgon Video”: si no sabes que narices es “Gorgon Video” no veas esta película. Así de simple.

Todas estas buenas palabras no serían validas, ni justas, sin mencionar los puntos oscuros de una producción, que como todo buen cine “undeground” goza del controvertido encanto de la imperfección.

Puede que el curtido Paolo Sassanelli esté soberbio, pero su gran papel hace que casi cualquier otro momento del metraje – quitando las fantasías gore – desluzca un poco. Fuera de los incendiarios discursos y apasionadas seducciones de Ubaldo, por mucho empeño que pongan el resto de actores – muy sexy y enérgica Laura Gigante como Sara -, existen tediosos interludios que no aportan nada a la trama. Esto es debido, principalmente, a cierta simpleza argumental que daba antes para un mediometraje que para una película completa, y eso que tampoco dura excesivamente.
Tampoco ayuda el que los medios (fotografía, iluminación, vestuario, banda sonora, decorados…) se encuentren tremendamente acotados por un presupuesto ridículo (300.000 € aproximadamente). El “look” casero que despide el conjunto general echará a muchos para atrás, pero pasado el miedo inicial nos encontraremos una cinta que supera sus limitaciones a base de respeto y amor por cine, véase el fantástico trabajo de montaje que imprime ritmo a una cinta mayoritariamente dialogada. ¡Venga que levanten la mano las producciones comerciales occidentales que siquiera intenten aplicar ese respeto para con el espectador! ¿Dos, una… ninguna?

Con todo, lo peor de la cinta sería su descafeinado epílogo que resulta prescindible a todas luces; su tono se aleja incomprensiblemente del resto de la película; pero más allá de esa mancha, solo son pequeños detalles los que deslucen un poco la impresión general.

Una pequeña sorpresa en un panorama bastante dejado de la mano de Dios, irónicamente estoy hablando de Italia, que demuestra como el esfuerzo, la falta de presión a la hora de redactar un guión – estupendos diálogos que consiguen mantener el interés, amén de estar cargados de premoniciones y reflexiones apasionantes – y básicamente las ganas de contar una historia son suficientes para alcanzar el corazoncito que los aficionados al cine de horror tenemos. Lo suficiente exigente como para abordarla sin prejuicios por todos aquellos que lleváis lustros y lustros de lleno en el complicado mundo del cine de terror. Por y para vosotros…

PD: Aunque no comparto la opinión del Sr. Terzani acerca de la narrativa de Clive Barker, reconozco que su planteamiento está muy bien enfocado.

Lo mejor: Buenas actuaciones, especialmente Paolo Sassanelli, un gore doloroso acorde a la historia y una atmósfera demente, directamente heredada del cine maldito de VHS.

Lo peor: El limitado presupuesto define milimétricamente hasta donde puede llegar la cinta obligando a meter mucho relleno intranscendente, como algunas conversaciones demasiado vagas y repetitivas. El epílogo.

POR: Bob Rock el 22/05/11
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White: Curse of The Melody

Sí, la música pop coreana también es un invento del diablo

White Grande

White PosterCuatro bonitas adolescentes, con las manías y vicios típicos de su edad, son las componentes de “Pink Dolls”, grupo musical de relativo éxito que se mantiene en un segundo plano dentro del competitivo mundillo de los ídolos juveniles. Cansadas de ser unas segundonas, deciden grabar una nueva versión de una oscura y fascinante canción sin título ni créditos, extraída de una misteriosa cinta VHS salida de vaya usted a saber dónde. La canción se convierte rápidamente en un éxito del “Hit Parade”, reconocimiento que inyecta celos y envidias en el seno del grupo. Todas luchan por ser la líder vocal de las “Pink Dolls”; obviamente, a partir de ese momento, las muertes entre las chicas se empiezan a suceder, y solo descubriendo el secreto detrás de la excitante canción podrán hallar su salvación.

Probablemente al ver la primera imagen que acompaña a esta noticia pesaréis que al bueno del tío Bob se le ha terminado de ir la cabeza. Que ha dejado atrás su faceta punk-rocker para meterse de lleno en el mundo de las bandas para adolescentes, formadas por jovencitas de ojos rasgados que están fabricadas masivamente en los moldes de lo obvio, lo sistemático y lo perfecto… ¡pues no! Un servidor se mantiene fiel a sus principios y solo se acerca a un “idol group” si está el terror de por medio.

En este caso, nuestra anfitriona, la protagonista de White, enésima cinta de terror sobrenatural oriental – surcoreana para más prometedoras señas – , como decía, nuestra anfitriona es la muñequita Eun Jung componente del grupo real T-ara, la cual se ha metido en el cine de terror y, para más “inri”, en una historia cuya base es el devenir apocalíptico de unos de esos grupos para adolescentes. Hago una breve pausa para confesar ensimismado mi ilusión por una hipotética película de terror a la vieja usanza que, psychokiller mediante, pusiera en su lugar a toda la plebe parasitaria que puebla el panorama musical de mi amada España. Imaginar a un Ramoncín o a un triunfito siendo torturado por el Jigsaw de turno, me parece una concepto con mucho futuro.

Dejando a un lado estas disquisiciones, me gustaría señalar que el proyecto de los gemelos Kim Gok y Kim Sun, directores de la desconocida Bloodproof, no es el primero que se acerca a las maldiciones a través de la música. Ni en oriente ni en occidente es extraño el mezclar canciones con muerte y condenación; por mucho que los gemelos coreanos sean reconocidos como la avant-garde del cine artístico independiente de su país, no están reinventando la rueda.

Yéndonos directamente más al este, podemos encontrar más muestras de ídolos pop atormentados en las menores The Suicide Song (2007), Video Clip (2007) o, en la genial e imprescindible, Suicide Club. Sí, decididamente los orientales no tienen reparos a la hora de mezclar jovenes adolescentes con fantasmas o impulsivas tendencias suicidas (muchas veces basadas en supuestos hechos reales).

Aun con todo lo que esconde detrás (un fenómeno de masas bastante risible, unas actrices que merecen solo estar en pósteres – no, en fotogramas -, una trama no muy novedosa), White, que así se llama la canción maldita de marras, cuenta con un trailer desbordante de calidad y un aire macabro mucho más profundo que otras producciones hermanadas; no en vano su país de procedencia, Corea del Sur, se ha convertido en la actual mina de oro del cine asiático. Esperaremos meneando el esqueleto a las primeras reacciones en su estreno este próximo julio…

POR: Bob Rock el 22/05/11
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Wound

Heridas que cuesta cicatrizar

Wound Poster

  • Título original: Wound
  • Nacionalidad: Nueva Zelanda | Año: 2010
  • Director: David Blyth
  • Guión: David Blyth
  • Intérpretes: Kate O´Rourke,Te Kaea Beri,Campbell Cooley
  • Argumento: Susan vive en absoluta soledad, intentando sobrevivir a sus demonios, unos demonios que la atormentan y cada vez son mas reales…

LA VALORACIÓN:

73 |100

Estrellas: 4

Wound Grande

Quiero dedicar esta reseña a Luis Trad, quien me animó a ver “Wound” con sus comentarios. Gracias.

Aviso: Intentar no spoilear en la reseña es prácticamente imposible si quiero analizarla como me gusta, porque en este tipo de propuestas todo es relevante y nada lo es a la vez, pero todo ha de ser comentado.

“Wound” es un ejercicio de traslado del subconsciente a nuestra parte consciente sin una lógica clara, o al menos, sin una lógica clara aparente.
David Byrth ha tratado de mostrar en imágenes cómo son los traumas, los miedos, las pasiones y la locura.
“Wound” es una propuesta difícil, que se puede analizar desde dos puntos de vista: Dejándonos llevar por lo que estamos viendo y disfrutarlo sin más o buscando todo el simbolismo e intentar llegar a una conclusión a través de él.
Yo he optado por la parte más simbólica, que en realidad me parece la mas jugosa.

La película arranca potente, es como si nos dijera “vamos chicos, ésta es mi carta de presentación, ¿os estáis enterando? ¿os gusta…?”. Pues vamos a por ella: en las primeras imágenes vemos a Susan dramática, vulnerable, seria, delicada, frágil… desatando toda la ira que tiene dentro, ejerciendo de vengadora castrando gráficamente a su padre, quien la violó en repetidas ocasiones. ¡Quiero sangre! ¡Quiero ver a Susan empapada en sangre, en una sangre que no sea la suya! Y dicho y hecho, Blyth hace caso a mi petición y nos regala la primera escena gore del film, y no está nada mal, nasty…

A partir de ese momento, nuestra realidad y la psicótica realidad de Susan se entremezclan, y en ocasiones lo hacen tanto que no tenemos claro qué es lo que está sucediendo realmente, pero aun así “Wound” no hace perder el hilo, solo hay que intentar meterse dentro de la mente de la protagonista para atar bien los cabos.
¿Por qué se comporta como lo hace? ¿Qué le ha sucedido para llegar a ese estado de desubicación emocional total? No hay que preocuparse, las respuestas se desvelan a lo largo de los 76 minutos que dura “Wound”, pero, como comentaba al principio, creo que es importante dar la relevancia que tiene al simbolismo, o al menos lo que yo entendí por cada uno de esos símbolos, así que, me lanzo a mi conclusión con 9 puntos simbólicos:

1- SUSAN Y TANYA: Tanya es la hija fallecida de Susan, que vuelve a la “vida” de su madre para ayudarla a cerrar el círculo, cerrar el círculo con su madre y con ella misma.
Se podría pensar que Susan es la parte pasiva y sumisa – la débil – y Tanya es la guerrera, la luchadora, la activa (la eterna contraposición del color blanco y el color negro). El delicado aspecto etéreo de Susan, se funde con el salvaje aspecto siniestro de Tanya (en realidad ellas son el ying y el yang).
Susan y Tanya se complementan y se completan, se necesitan y se destruyen. Ellas son el símbolo de una misma identidad.

2 – Simbolismo de la SANGRE (y en abundancia…): La sangre es el reflejo de la pérdida, el dolor, de la ausencia. Cada vez que aparecen las escenas con sangre algo se pierde, la sangre ya no es vida, la sangre es vacío.
Una de las mejores escenas de la película está regada con sangre y precisamente es la sangre la protagonista. Una escena tremendamente esclarecedora. Se trata de la escena en la que Tanya lame el gran charco de sangre del suelo que ha provocado su propio aborto (porque para mí esta hipótesis es totalmente factible dentro de la trama). En un lado de la puerta está Susan, prácticamente desangrada, mientras su hija muerta chupa la sangre de su propia muerte (escena que será, para algunos repulsiva y para otros poética…)

3 – MÁSCARAS: A lo largo de la trama, vemos una sucesión de máscaras. Las máscaras de Susan y Tanya no tienen expresión, simbolizan su propio vacío. Las máscaras de sus propios demonios son máscaras de cerdo (más gráfico imposible). Desde mi punto de vista, el uso de las máscaras está planteado en los puntos necesarios y, de alguna forma, explican el desequilibrio mental de Susan (quien en ocasiones aparece con la máscara que representa a Tanya). Las máscaras son la negación del mundo real.

4 – JUEGOS DE DOMINACION Y SUMISION: Otros dos personajes relevantes son Master John y Mistress Ruth (quien es la madre de Susan), que marcan presente, pasado y futuro.
La dominación que ejerce su madre asesinada sobre ella es el símbolo de una infancia marcada por violaciones y soledad, por traumas y venganza.
La sumisión de Susan ante Master John, más allá de algo puramente sexual y placentero, es el deseo de reprimir su parte mas enferma y violenta (representada a través de Tanya). La sumisión es su vida, la dominación representa su psique

5 – UN ARCÓN LLENO DE “SORPRESAS”: Éste punto fue uno de los que mas me costó entender. El tema es que no se explica nada, pero Susan tiene un arcón en su pasillo donde guarda cientos de deposiciones envueltas en papel de aluminio, ¿el motivo? Ni idea…pero puestos a imaginar, creo que todo forma parte del círculo que no se cierra. Es una idea parecida a: nada que salga de mi interior debe ser desechado porque mi cuerpo ya una vez “desechó” lo mas importante de mi vida (en relación a su hija muerta).

6 – CÁMARAS: En “Wound” vemos una realidad a través de la mente de Susan y Tanya, y otra que muestran unas serie de cámaras ubicadas estratégicamente. Sinceramente creo que el uso de estas cámaras mas que explicar algo, despistan y no cumplen con el propósito de mostrar la cordura y la locura: considero éste un elemento fallido.

7 – VAGINA GIGANTE: Impagable el momento en que Tanya y Susan renacen de nuevo de una vagina gigantesca que marca la comunión de ambas. Este renacimiento con las máscaras puestas, significa que ellas han ganado (o perdido, depende de cómo se mire…), que se han hecho una, que Tanya volvió de la muerte para “poseer” en cierto modo a su madre e indicarle el camino de vuelta a casa. Todo ello regado con mucha sangre y una viscosidad que se pude palpar, un auténtico espectáculo bizarro.

8 – TREN: La imagen de las vías y la preparación para el suicidio de Tanya marcan el inicio de la locura. La visión del vagón del tren final en el que se sube Susan para buscar a su hija, podemos intuir qué simboliza (pero decirlo ya sería el colmo de mis spoilers). Igualmente en este punto no quiero dejar de destacar el hecho de que Susan finalmente se desespere por encontrar a Tanya, porque desde mi punto de vista es algo terriblemente pesimista (el círculo se cierra a pasos agigantados…).

9 – FINAL: SPOILER!!!! Puede sorprender que un final tan aparentemente “fácil” encierre tanto magnetismo. Susan destaca en este final por ser uno de los personajes más tristes y abandonados de este tipo de propuestas bizarras. Después de pasear con ella, de ser parte de su vida y de compartir su locura, con el final que plantea David Blyth, solo pude pensar en dos palabras: soledad y vacío.

En resumidas cuentas, ”Wound” no se anda con medias tintas: es extraña, es salvaje, y te permite sentir la carga sexual y la sangre muy cerca de ti. Puede que te guste mucho o puede que no entiendas nada y no te de la gana de esforzarte por hacerlo, pero creo que para tener una opinión hay que verla. Yo estoy en el grupo de los que quedaron muy satisfechos con la película, ¿en qué grupo estás tú?

Lo mejor: El simbolismo de la película, el duelo entre Susan y Tanya, quisiera que la pantalla pudiera salpicarme de sangre en algunos momentos…

Lo peor: En ocasiones se enrevesa todo tanto que no sabes ni lo que estás viendo y el, para mí, inútil uso de las cámaras.

POR: Missterror el 22/05/11
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Twisted

Los sutiles y sangrientos giros del destino

Twisted Grande

Twisted PosterLa historia gira alrededor de un traficante de droga que atropelló a una hermosa joven, un par de estafadores que quieren dejar atrás su pasado, y cuatro asistentes de vuelo, cuyas vidas están patas arribas desde una noche loca de drogas y alcohol. Un cuento fantástico sobre individuos con destinos entrelazados y como sus caminos se unen a raíz de una serie de acontecimientos retorcidos. Un experimento sobre la causa y el efecto, y como nuestras acciones afectan a la gente que nos rodea.

El 27 de Julio se estrena en Singapur, Taiwán y Malasia esta nueva fusión de géneros – y es que al igual que en la mesa, oriente siempre ha sido proclive a meter dentro de un mismo paquete infinidad de ingredientes aparentemente incompatibles -; en el caso que nos ocupa: terror, acción y comedia. Vamos, tampoco nada nuevo bajo el sol pero si de una calidad, a juzgar por el trailer y el póster, lo suficientemente interesante como para llamar nuestra cinéfaga atención.

El director y guionista Chai Yee Wei parece estar interesado en la disección sin prejuicios de unos personajes al filo de la navaja y como el destino aglutina sus pesares condenándoles al desastre. Así dicho todo parecen rosas y bourbon, pero desde luego no es tarea sencilla – y muy olvidada en la maquinaria oxidada de Hollywood – crear una cinta interesante donde la base sean los personajes y sus historias, amén de transmitirse estas con un lenguaje visual rico y dinámico, merced a una ambientación mágica (esta vez aportando la magia el horror y la tensión de algunas escenas intuidas en el trailer). Un ejemplo clásico, para mi – y a pesar de todo lo que me he alejado del cine de Quentin Tarantino -, sería Reservoir Dogs; donde curiosamente lo de menos es que se trate de una película de gángsteres, si no la psique y relaciones entre los señores de colores que se nos presentan.

Salvando la evidentes y desproporcionadas distancias, Twisted puede ser una propuesta acertada que, según sus productores, cuenta con los mejores talentos, de cada diferente género que aglutina, procedentes de China, Malasia o Tailandia. Esperemos que sea cierto, cuando menos técnicamente, y podamos disfrutar pronto de este compendio de perdedores y señoras gritonas con una desmesurada afición por los hachuelos…

POR: Bob Rock el 21/05/11
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