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de Pedro Sánchez Román
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de Manu Ochoa y Teresa Martínez
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de Bertolt Salvago
España | 2009 | 85

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The Unleashed

A estos fantasmas los he visto en algún otro sitio

The Unleashed

The UnleashedMadison Kennard es una mujer con un turbio pasado que regresa a su hogar, ocho años después de abandonarlo, tras la muerte de su madre.

Nada más poner pie en su antigua casa, le asaltan una serie de recuerdos de su infancia que creía olvidados. Una serie de extraños sucesos comenzarán a ocurrir después de que Madison y un grupo de viejos amigos jueguen a la Ouija en el interior de la casa.

¡No os perdais el trailer de The Unleashed! ¡Impresionante!. Tiene todos, absolutamente todos los elementos que se le puede exigir a toda película de fantasmas que se precie de serlo: tablas ouija, niñatos de pelo largo y lacio, ojos que lloran sangre, espejos que no reflejan lo que deberían reflejar y un nutrido grupito de fantasmas que aparecen “inesperadamente” a espaldas de los protagonistas acompañados del preceptivo estruendo sonoro.

En otras palabras, en apenas minuto y medio, Manuel Silva, director de The Unleashed, ha logrado reunir un definitivo compendio de tópicos (todos los habidos y por haber) en cuanto al cine de fantasmas se refiere.

Distribuye Dark House Films y por lo visto el estreno USA de The Unleashed está previsto para el próximo 8 de julio. Os dejo con el trailer (ideal para echarse unas risas) y las primeras imágenes de The Unleashed.

POR: Joan Lafulla el 30/05/11
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The Violent Kind

La raza canibal

Violent Kind Poster

  • Título original: The Violent Kind
  • Nacionalidad: Estados Unidos | Año: 2010
  • Director: Mitchell Altieri, Phil Flores
  • Guión: Mitchell Altieri, Phil Flores
  • Intérpretes: Cory Knauf, Taylor Cole, Bret Roberts
  • Argumento: Al norte de California, en una granja asilada, un grupo de moteros ven sus celebraciones interrumpidas por posesiones demoníacas, rockabillies muertos y extraños fenómenos alienígenas.

LA VALORACIÓN:

64 |100

Estrellas: 3

the Violent Kind Grande

Cody, Q y Elroy son colegas hasta la muerte y miembros de una familia de moteros que remonta sus andanzas desde los sesenta. A estos chicos les gusta el sexo, la violencia, el crimen y las motos rápidas; pero aun les gusta más volver a casa para pasar el cumpleaños de su madre con la familia y el resto de la “crew”.

En la vieja casa perdida en el bosque, sede de tantas y tantas fiestas, los delincuentes habituales ahogan las penas en el bourbon derramado entre los senos turgentes de las strippers. Todo el mundo se relaja menos Cody, que se come los nudillos viendo como su ex-novia se lo monta delante de todos con el primer idiota que ha encontrado

Pero lo bueno se acaba tarde o temprano y todos vuelven para sus casas y caravanas como pueden. No pasa mucho tiempo en la casa familiar cuando Michelle, la ex de Cody, vuelve cubierta de sangre y en estado de shock. Algo extraño está ocurriendo en las montañas: luces anormales en el cielo, compañeros desaparecidos, ruidos siniestros entre los árboles. Cody y sus compadres ni siquiera sospechan que dejando entrar en casa a Michelle han dejado pasar algo más: la raza caníbal.

The Violent Kind es el segundo intento de The Butchers Brothers, lease Mitchell Altieri y Phil Flores, por realizar una película de terror de “casta”. Es decir, ese tipo de cintas que buscan al aficionado puro y duro, que no dejan lugar a equívocos y que se ruedan con un ojo puesto en los gustos personales de los autores, unos adictos de aupa al terror ochentero – a juzgar por su estilo – y otro en una narrativa más rápida y directa, acorde con los tiempos que corren. El primero de estos intentos fue la insatisfactoria The Hamiltons, cinta que pasó sin pena ni gloria por el año 2006 y de la que pronto tendremos una secuela llamada The Thompsons; podríamos decir que el trabajo de estos directores, ha seguido la progresión acorde con su estilo y han rodado, esta vez, una cinta más entretenida pero que no puede quitarse el sambenito de “intranscendente”; The Violent Kind supone una pequeña evolución, sobre todo a nivel técnico, con respecto a su primeriza obra, pero solo eso, puesto que sus defectos son demasiado evidentes y algunos aspectos arguméntales han sido descuidados de una forma casi incomprensible. Aunque la película se pueda seguir agradablemente, incluso contiene algunos momentos y personajes brillantes, el resultado final queda deslucido por una aparente falta de dirección.

No solo en la búsqueda del cine independiente autentico y de calidad se han embarcado The Butchers Brothers, también realizaron el insufrible remake de April Fool’s Day (el bueno de Manu seguramente aun se estará tirando de los pelos ante tamaño despropósito convertido en cinta barata y apestosa). Lo cual no habla excesivamente bien de la orientación o rumbo que estos cineastas han llevado en sus cortas carreras. Una falta de criterio, por así decirlo, que como comentábamos se ve reflejada en este, su proyecto más ambicioso.

Sinceramente, la película arranca con fuerza. Asistimos a las correrías de los protagonistas, que desde su papel de moteros salvajes nos muestran un recetario de fechorías – sobresalientes los títulos de crédito – con bastante gasto de acción y labia. Sin embargo, empiezan las primeras pegas: ¿Por qué han elegido a esos actores para los papeles protagonistas? Sin tapujos: son demasiado “guapitos” para pertenecer a una banda sanguinaria; además, si Cody hubiese pasado realmente una temporada en la trena, en el tiempo en que ocurren los hechos de la película tendría el culo como un bebedero de patos. Entendedme, no es que los muchachos (Cory Knauf – The Hamiltons – y Bret Roberts – Pearl Harbour, May – ) lo haga mal, pero carecen de cualquier credibilidad como miembros de la “crew”.
Además, resulta curioso que dada la importancia que los directores le han dado a la introducción de los personajes – todo un tercio del metraje se dedican a dibujar las personalidades y tribulaciones de la familia de moteros, como si de un remedo de Easy Rider se nos estuviese mostrando – no se hayan preocupado más por su endeble caracterización, y eso que otros elementos (banda sonora muy rockera, fotografía áspera, diálogos propios de tipos duros) han sido bastante mimados.

En definitiva, tenemos un tercio de metraje que podría corresponder con un drama o “explotation” ligero de bandas. Y entonces, en las postrimerías de la fiesta de cumpleaños de la madre de nuestros protagonistas, aparece Tiffany Shepis – viendo la filmografía de est< princesa de la serie-z uno se pregunta cuando duerme esta pequeña morenaza – cubierta de sangre cual Carrie pechugona, y la película se convierte en un remedo de Evil Dead y El exorcista; así, sin más.

Este cambio radical es bastante agradecido, cargado de tensión, y destacado dado que el acabado visual mantenido durante toda la película, se ve más explotado en los tramos de sangre e histeria – entre sexies y desquiciados – protagonizados por una excelentemente poseída Tiffany/Michelle. Ahora, no esperéis explicaciones; el nudo de la película es un vagar sin mucho sentido alrededor de la cama de la “enferma” y la cabaña súbitamente vacía; con el añadido de breves pinceladas acerca de una amenaza mayor que la hambrienta –de carne en cualquier formato, preferentemente en barra – ex-novia de Cody.

Casi diría que la parte central de The Violent Kind es lo menos interesante; pronto vemos un error que siempre me ha parecido muy molesto, y demasiadas películas de terror cometen: ¿en que queda el desarrollo inicial de los personajes? En nada. El cambio de tercio es tan brusco que Cody y sus amigos podrían ser motoristas, universitarios o, incluso, payeses. Si la intención de los “hermanos carnicero” era enfrentar a tipos duros contra una amenaza monstruosa – recordemos que hasta este punto la amenaza no son más que luces en el cielo y una mujer con instintos caníbales -, para evitar los cansinos tópicos de la yuxtaposición de “universitarios vs zombies mutantes del espacio exterior”… pues la verdad es que han conseguido todo lo contrario. Los personajes se convierten en los típicos pollos sin cabeza dando vueltas por el set de rodaje, donde las reflexiones sobre su condición de miembros de una banda de moteros quedan en un remoto plano, sin interés alguno.
Toda una pena porque la dosificación de pistas que aclaren lo que realmente ocurre en el bosque, contiene bastante misterio y una fuerza estética innegable. También Tiffany Shepis se esfuerza en crear una atmósfera malsana realizando una actuación física muy “demoniaca”, que hubiese conseguido mayor efecto de no haber sido tan tópica: a estas alturas, el concepto “jóvenes atrapados en una casa” requiere algo más eficaz que la Shepis para llevarse toda nuestra atención.

Así vamos avanzando hacía la parte final de la película, cuando hacen acto de presencia los verdaderos protagonistas de la película: personas desaparecidas en los cincuenta, que acusan un “look” decididamente “rockabilly”, el cual casa muy bien con el entorno conceptual en el que se ha desarrollado todo el metraje. No entraré en el análisis de lo que significa la presencia de estos “abducidos” porque directamente estaría destripando lo más interesante, tanto a nivel argumental como narrativo (y es que repito: la escena donde esta “troupe” de siniestros “rockeros”, “teddy-boys” y “pin-ups” despliegan todo su potencial y discurso, es el momento álgido, junto al epílogo, de la historia). Sin embargo, su presencia provoca otra cansina ruptura expositiva, que introduciendo nuevos elementos completamente distintos a las ideas propias desarrolladas tras una hora de asistir a los descubrimientos de “Cody and Cia.”, nos muestran otra película de la que creíamos estar viendo. En este caso, algo más cercano a “La Invasión de los Ultracuerpos”, aunque juro y perjuro que la información suministrada por el guión de “The Butcher Brothers”, hace esta afirmación anterior poco menos que risible. Dejamos atrás las posesiones y los muertos-vivientes – sí, aquí hay sitio para todo – para entrar de lleno en el terreno de la ciencia-ficción macabra; aunque de una forma para nada satisfactoria y profunda.

Las piezas no terminan de encajar, todo está cogido por los pelos y se hace insistente la pregunta de “si ahora la narración avanza en esta dirección, ¿qué sentido tenía lo que han contado hace veinte minutos?” Pues una razón de ser puramente estética. En ese terreno, reconozco que Mitchell Altieri y Phil Flores han trabajado bien su película – hago un inciso para remarcar unos efectos especiales espectaculares para el presupuesto de una producción independiente – ; no obstante, el error ha sido intentar llamar la atención sobre un guión nacido de la mezcla de todos los elementos que han podido incluir sin resultar pedantes, pero sin preocuparse realmente de lo que estaban contando; que al final es demasiado simple. Y eso que el epílogo, los diez últimos minutos, son donde se intentan responder atropelladamente las dudas que tantas piezas de un puzzle, aparentemente incompatibles, nos habían generado. A este respecto, no se puede poner ninguna pega: un final interesante, morboso e inquietante que logra subir enteros a un guión que parecía perder el rumbo por momentos.

The Violent Kind no es una mala película, tampoco consigue superar la intranscendencia de un producto demasiado ambicioso argumentalmente; lo que para unos es una fortaleza para otros es una debilidad; y los “hermanos carnicero” deberían dosificar mejor sus ideas para que sus cintas no fuesen un mero espectáculo visual – además limitado – y trabajar más a los personajes con un propósito claro, aprovechando los elementos obviamente destacables en detrimento de otros – a uno le cuesta entender que con el potencial que tenían el grupo de “rockabillys” de los cincuenta, se les haya olvidado, relativamente, con el objetivo de mostrar y mostrar y mostrar a una Tiffany Shepis poseida -. Una cinta recomendable para tardes aburridas, y para amantes del subgénero de “atrapados in da house”, siempre que sepáis apreciar el valor individual de las premisas fantásticas – incluso del principio puramente motero – que se nos presentan, antes que el conjunto algo confuso. El balance final es positivo pero molesta esa sensación de fuerza bruta desaprovechada y, dentro de nuestras cabezas, el guión se demuestra con una falta de cohesión hiriente que termina por aburrir al espectador con años de experiencia.

Abducidas hasta devorarnos a nosotras mismas…

Lo mejor: El mejunje de subgéneros. En el último tramo de la película todo toma buen ritmo, merced al giro argumental que traen los “rockabillies from hell”.

Lo peor: El mejunje de subgéneros. Una introducción de personajes que no llega a aportar mucho y momentos de obligada transición entre los subgéneros que aburren.

Some Children Wander by Mistake

Este relato, al igual que otros muchos igual de fascinantes y terroríficos, fue publicado por JOHN CONNOLLY ante la demanda de sus millones de lectores que, además de conocer su faceta como escritor de novela negra (negra, pero muy negra, con un toque demoníaco que hace que su protagonista, Charlie Parker, se tenga que enfrentar, a veces, con demonios internos y demonios MUY externos) conocían la publicación de otras novelas y relatos claramente orientados al género del terror: HELL’S BELLS, THE BOOK OF LOST THINGS…Mi intención con esta modesta traducción ha sido la de acercaros a un autor no muy conocido y, sobre todo, un relato sobre Payasos que a mi personalmente me provocó pesadillas reales cuando lo leí. Espero que os guste.

POR: Elniniodecristal el 29/05/11
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Bloodline

La delgada línea roja que separa las entrañas del exterior

Bloodline_grande

blloodline posterSandra y Marco reciben el encargo de realizar un reportaje sobre el cine violento; y así, son enviados al set de rodaje de una cinta de terror. Sandra, en toda su carrera como periodista, es la primera vez que se enfrenta a los demonios que la persiguen desde que su hermana fue asesinada hace quince años. En las localizaciones de la película que tiene que documentar, fue donde su hermana perdió la vida, a manos de un asesino en serie llamado “El Cirujano”. Luchando contra sus miedos, Sandra deberá hacer frente también a la nueva ola de macabros asesinatos, siguiendo las pautas del Cirujano, que se están produciendo en el set. ¿Un imitador? ¿Una broma de mal gusto? ¿Porque las víctimas de este asesino no pueden descansar en paz?

Bloodline, no confundir con una de las peores partes de la saga Hellraiser, es el prometedor debut, tras años de experiencia en el mundillo de la publicidad y de la música, por parte del italiano Edo Tagliavini. Mezcla de sangriento slasher, cine de zombies y “algo más”, este film independiente viene a reafirmar el tímido, pero de resultados eficaces, resurgimiento del terror en la Italia reciente. Si hace poco disfrutábamos, en mayor o menor medida, de Ubaldo Terzani Horror Show o Shadow, y esperamos con ganas otros proyectos igual de jugosos como Fantasmi, Eaters o Smile; ahora le toca el turno a una producción que pese a no destacar por un argumento excesivamente original, si que propone, a juzgar por sus imágenes, una violenta experiencia plagada de planos crepusculares y visceralidad continua. Todo ello acompañado por ese sabor propio, que a un servidor siempre le ha parecido onírico, que los directores italianos saben imprimir en la fotografía y el tratamiento del sonido.

Si además le añadimos la presencia de dos pesos pesados en la industria del terror italiano como son Sergio Stivaletti, tras los efectos especiales artesanos, y Claudio Simonetti en la composición de la banda sonora; solo podemos tener como resultado una esperadísima vuelta a las raíces de aquel terror físico, que tantos recordamos con el cariño de nuestra adolescencia gastada en video-clubs de mala muerte.

Como novedad, aunque en mi humilde opinión lo veo innecesario, Bloodline va a ser promocionada como la primera película en 3D proveniente de Italia. Bueno, está bien eso de intentar hacerse con una parte del pastel, pero, ¿realmente aporta algo a este tipo de cine?

Sin fecha de estreno concreta, esta película ha emprendido el circuito de festivales especializados cosechando sus primeros éxitos en el Tenebria Film Festival, donde se ha alzado con los premios a mejor largometraje, mejor actriz, mejor banda sonora y mejor actor secundario… ¡casi nada! Esperemos que los responsables de Sitges 2011 tengan a bien proyectarla, puesto que no se me ocurre mejor entorno para disfrutar de las operaciones a corazón abierto, de un cirujano que revive a los muertos.

POR: Bob Rock el 28/05/11
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Dear God No!

La explotación elevada al cubo

Dear god no

dear no god poster”The Impalers” son una de las bandas de moteros más crueles de los Estados Unidos. A su paso, ni la hierba ni el vello púbico vuelven a crecer; asesinatos, violaciones, estupro… todo es poco para ellos.
Tras un enfrentamiento casi mortal con sus rivales, los “Satan’s Own”, los supervivientes deciden lamerse las heridas en una cabaña perdida de las montañas; cerca, justo al norte de Georgia. Allí, los habitantes de la casa, sometidos a la brutalidad de los motoristas, rápidamente dan la vuelta a la tortilla, revelándose como una familia de pertubardos, liderada por un científico loco y su jorobado ayudante.
Afuera, los gruñidos de un ser hambriento de carne humana, que bien podría ser el verdadero “Big foot”, impiden la salida de la banda.
Entre la espada y la pared, planean vender cara su vida…

¡Bueno! Vaya sorpresita parece salir de la nada. Un auténtico explotation bizarro de “tromatico” argumento. Sin hacer ruido, llegan las primeras imágenes y trailer de una nueva gamberrada, tanto independiente como estadounidense, llamada Dear God No!; o si lo preferís,“The Bigfoot Massacre”, como también se la conoce.

Apostando claramente por el elemento visual y la mezcla de diferentes subgéneros – explotation, grindhouse, roadmovies, gore, rape & revenge, comedia… -, ha sorprendido a propios y a extraños con el cuidado arte gráfico y el esfuerzo, todavía más loable habida cuenta de su limitado presupuesto, en todo lo relativo a su diseño. No hace falta más que ver su colección de pósters, de la cual tenéis alguna muestra un poco más abajo, destacando por encima de todos el confeccionado para un hipotético mercado mexicano.

dear god no coleccion

De la mano de James Bickert, cineasta underground que desconocía completamente, llega este homenaje al cine de los “drive-in” setenteros, pero de una forma muy alejada de las “tarantinadas” que han revitalizado, en los últimos años, este tipo de cine. Filmada íntegramente en 16mm y usando efectos especiales protésicos “a la antigua”, promete ser excesiva, violenta, hiriente, obscena, demente, hilarante, insultante y mucho más. Y para ello cuenta con buenas armas: moteros ultra violentos adoradores de Satán, científicos nazis chiflados, enfermeras mutantes de pechos gigantes, un “big foot”, pechos a go – go, guitarras distorsionadas, sangre, muerte, sangre, caos, sangre, sangre… ¡¡¡solo falta el jodido Elvis!!!

Toda una sorpresa, de la que esperamos oír más mientras termina su post-producción y calentamos los motores de nuestras “burras”, ante la extensa ruta de festivales especializados que se otea en el horizonte otoñal. Sin duda, dará que hablar…

POR: Bob Rock el 27/05/11
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Attack of the Herbals

¿"Shaun of the Dead" a la escocesa?

Attack Herbals Grande

Attack Herbals PosterJackson McGregor vuelve a su pequeño pueblo pesquero, “Lobster Cove”, para encontrarse con que el barón local, Bennett Campbell está comprando todos los negocios del pueblo. ¿Todos? Todos no, la oficina de correos del abuelo McGregor se yergue como baluarte frente los designios del tirano.

La vida de nuestro protagonista toma un giro misterioso, cuando un amigo de la infancia descubre una cueva, en los acantilados, con una extraña sustancia, de la cual aprenden a extraer unos delicados tés.

Pronto, los dos amigos preparan un plan para salvar la oficina de correos ofreciendo del adictivo té a los habitantes del villorrio. El dinero comienza a llegar en abundancia, y con él, una incapacidad soberana por parte de sus propietarios para asumir los terribles efectos secundarios de sus infusiones.

Con la ayuda de un predicador alemán, los amigos descubren que el contenido de aquella cueva tenía su origen en experimentos nazis de la segunda guerra mundial… y cuando las cosas no podían ponerse peor, el barón Campbell prueba por primera vez el té maldito.

Attack of the Herbals es otra nueva comedia zombie que bebe directamente de Shaun of the Dead y Evil Dead. No cabe lugar a dudas de las intenciones cómicas, detrás del proyecto, leyendo su esperpéntico argumento, y más, proviniendo de Escocia; todos sabemos los nocivos, pero sabrosos efectos, de los destilados escoceses. Actualmente en post-producción, se espera la distribución después del verano cuando remita el calor; supongo que por eso de no exponer los cadáveres al calor extremo.

Poco se puede añadir sobre este título del director David Keith, que de forma independiente – en su propia compañía – se vende a bombo y platillo como la versión escocesa de la famosa película británica que siempre está en boca de todos. No sé si a un subgénero tan saturado, como el de la “zombedy”, se le puede sacar más tirón, pero parece, y siempre que los proyectos sean divertidos, que nos queda cuerda para rato, en cuanto a echarnos unas risas a costa de nuestros pobres amigos los zombies.

¡Cómo realmente un día llegue el amanecer de los muertos vivientes, vamos a tener muchas cuentas a pagar!

PD: Quiero agradecer a David Ryan Keith, director de esta cinta, su aclaración sobre el elemento “zombie” de Attack of the Herbals. Como el mismo comenta, los efectos del té enloquecen a quien lo prueba; no lo convierten en un muerto viviente. Obviamente, sus distribuidores saben que es más fácil, actualmente, promocionar una “zombedy” que una película que deja un poco de lado a nuestros queridos amigos podridos (aunque hay que reconocer que desde La Noche de los Muertos Vivientes original hasta hoy, se hace complicado distinguir entre zombies, infectados, poseidos y qué sé yo). Desde aquí, le deseamos la mayor suerte posible, porque estoy seguro que habrá elementos interesantes y cómicos, más que de sobra, en los posos de las tazas de té… ¡y sin necesidad de zombies!

POR: Bob Rock el 27/05/11
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Sector 7

Estos orientales y su bizarra pasión por los tentáculos

Photobucket

PhotobucketDespués del tremendo éxito de The Host, por lo menos para los standards coreano, en el extranjero, era fácil pensar que se iban a tirar al trapo con más superproducciones…pero no. Me sorprende tener que haber esperado casi 5 años para encontrarme con otro producto de similar factura como es este SECTOR 7. Chawz, ha estado a punto, pero al final compró los derechos de distribución, y remake, MAGNET FILMS (nuestros mejores amigos ultimamente: HOBO, 13 ASSASSINS, TROLL HUNTER) y de ahí no pasó. Pero parece que con esta las distribuidoras se lo han tomado más en serio. Y que conste que cuando vi quien era el director (Kim Ji-hoon, especialista en comedietas) pensé que iba a ser una capullada de película, pero una vez visto el potente trailer y habiendo recopilado información…la cosa pinta mucho mejor de lo esperado.

PhotobucketEl Sector 7 es realmente una plataforma petrolífera situada cerca de las Islas Jeju, donde se está trabajando, aparte de extraer el preciado oro negro, en un proyecto denominado “Eclipse” para transportar el petróleo en grandes barcos. El supervisor del proyecto, que está a punto de marcharse con uno de los citados barcos, decide hacer una última prospección. Y, tachán!!, problemas. El equipo se hunde en las profundidades marinas. Pronto, comienzan a desaparecer los trabajadores de la plataforma uno a uno, y de formas bastante desagradables. Aparece el bicho, transparente (más o menos) él. Pero queda un grupo de supervivientes que deciden, lo imagináis?, que o el bicho o ellos y su plataforma….No creo que vaya a ser la repanocha, pero por lo menos promete tensión, buenos efectos y los siempre bienvenidos tentáculos!!

POR: Elniniodecristal el 27/05/11
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Behind the Walls

Laetitia Casta, fantasmas, 3D, Lovecraft y un loco escribiendo de ello

Behind the Walls Grande

Behind the Walls PosterRecuerdo que aquel invierno de 1922 fue especialmente frío en Francia, tal que la naturaleza castigase nuestra soberbia. También parece que fue ayer cuando me despedí de Suzzane en Gare de Lyon; su belleza, que solo sucumbía a su fiereza, quedó grabada a fuego en mi mente aquella triste tarde. Tan joven y escondida bajo el peso de su abrigo de armiño, parecía una niña perdida. ¡Nada más lejos de la realidad! Tras nuestro consabido intercambio de abrazos, me confesó al fin que el destino de aquella ruidosa locomotora era una vieja mansión, sita en un pequeño pueblo, donde esperaba concentrarse para escribir su próxima novela. ¡Su linda cabeza bullía de ideas y a mi lado, en las atestadas cafeterías del boulevard St. Michel no conseguía encontrar la tan ansiada paz que sus escritos requerían!

Desgraciadamente, y acorde con la crueldad de este mundo, la desgracia se ceba con lo más bello, lo más frágil. Según me comentó un amigo común pasados muchos meses, una leyenda negra se había forjado alrededor de mi querida Suzzane. Rumores a media voz, cuentos de viejas y chismes la acompañaron en su estancia en aquel villorrio dejado de la mano de Dios. Al parecer, dicen que encontró una misteriosa habitación en los sótanos de la desvencijada mansión que ocupaba. Suzanne se vanaglorió abiertamente, tras sutiles pesquisas sobre el origen de su nuevo hogar, de que tras hallar la habitación “las ideas fluían con antinatural libertad hasta la máquina de escribir”. El cenit de su creatividad lo encontró entre el polvo acumulado durante décadas… ¡ojala lo hubiera hecho a mi lado entre el bullicio de los artistas callejeros y el fragante humo de pipa que siempre se arremolinaba en mi estudio!

Sin embargo, con la inspiración llegó el dolor, pero, ¿no es siempre así? El medico del pueblo tuvo que realizar varias visitas a la mansión puesto que las recientes pesadillas que sufría Suzanne la habían sumido en un estado letárgico preocupante. Las malas lenguas del pueblo dijeron que estaba poseída por brujas y visiones; incluso algunas ancianas, seguramente envidiosas de su ígnea figura, señalaban a mi pequeña muchacha como responsable de la desaparición de varias niñas en la región. ¡Malditas arpías! Acusar de algo tan vil a un alma tan dulce y candida que podría rivalizar con cualquier santa por la canonización.
La cuestión es que tras las palabras de ese amigo común decidí […]

Aquí terminan abruptamente las últimas notas garabateadas por Henry D., renombrado escultor parisino desaparecido cerca del verano de 1923

Espero que sepáis disculpar la “literaria deformación” de la aburrida sinopsis de Behind the Walls, pero sus imágenes, su protagonista y, sobre todo, su marco temporal pedían a gritos algo de divertimento al respecto de la explicación de la trama.

En cuanto a la película en si, podemos hablar de una buena dosis de contradicciones; en primer lugar, la curiosa contraposición de elementos antiguos y modernos. La ambientación no puede ser más gótica (mansión, bellas escritoras, pueblos aislados…), y, sin embargo, se presenta como la primera cinta francesa rodada en flamante 3D.

Dentro de la pura opinión personal (en concreto, creo que dicho envoltorio desvirtúa una historia que pide a gritos seriedad y elegancia), demuestra bastante de la visión comercial del cine “mainstream”, el mezclar cuentos góticos con mareante 3D. Me molestan sobremanera esas escenas rodadas con el impacto del objeto de turno, volando hacia la cara del público, como única meta; creo que rompe la narrativa inherente del cine y, mucho más, en un thriller sobrenatural de época; tiemblo, y no de terror, solo con imaginarme un fantasma en 3D ululando en las retinas que esconden esas feas gafas estereoscópicas. Quizás peque de tradicional, pero la búsqueda pura y dura del “taquillazo” de la semana, hace más por destruir al cine que la denostada piratería. Sinceramente creo en la existencia de un mayor equilibrio entre valores económicos y artísticos.

Después de semejante estamento, el cual espero me granjee duras críticas por parte de alguno de vosotros, queridos lectores; aun queda hablar del otro “punto” fuerte de la cinta: su absoluta protagonista, la bella modelo y actriz Laetitia Casta. Pese a unas dotes actorales no muy desarrolladas, creo que encaja a la perfección dentro del papel de escritora aventurera, capeando temporales sobrenaturales, que todos imaginamos. Sobra decir que, además, su delicado atractivo la hace todo un regalo visual para el aficionado. Un acierto que obviamente obedece más a reclamo comercial que a una idea madurada, de todos modos aplaudo a su protagonista principal, a la que deseo ver pronto atormentada por los envites de siniestras musas.

Siguiendo, tal vez demasiado, el libro de estilo marcado por otras producciones anteriores (Los Otros, El Orfanato o Los Ojos de Julia), que a su vez siguen milimétricamente los pasos de la ghost story del siglo pasado (Shirley Jackson, M.R. James, Poe…) los directores Julien Lacombe y Pascal Sid, debutantes en el mundo del largometraje y que también se encargan del guión – otro dato escamante a tener en cuenta – presentaran el 6 de Julio en Francia este ambiciosos proyecto, que aparte de causar furor en la taquilla, uno espera que sea un compendio de “art decó” (la ubicación temporal y física lo pide a gritos), suaves escalofríos, técnica deslumbrante, una protagonista que lo entregue todo y una ambientación victoriana que le pusiese los pelos como escarpias al mismísimo Lovecraft (el argumento tiene muchos puntos de unión con las historias del autor de Providence).

Muchas contradicciones que a uno le dejan cavilando y soñando ensimismado con Laetitia Casta en camisón…

POR: Bob Rock el 25/05/11
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Territoires

Mejor no salir de casa

Territoires Grande

Territoires PosterCinco amigos vuelven de una boda en Canadá cuando, justo en la frontera, una pareja de policías los detiene por posesión de marihuana. Lo que no debería pasar de una simple multa, se transforma en una pesadilla cuando los cinco amigos son conducidos de malas formas hasta un campo de prisioneros en lo profundo del bosque. ¿Quienes demonios son esos dos agentes viciosos, agresivos y violentos? ¿Qué destino les espera en el inhóspito campo de prisioneros? ¿Alguna vez volverán a casa? La espiral se cierra cada vez más…

Premiado thriller franco-canadiense, aunque rodado en inglés, del debutante Olivier Abbou que viene “avalado” por la producción de Raphael Rocher (productor de la insuficiente La Horde). En palabras de sus propios creadores, un controvertido survival horror forestal en el cual su director proyecta tanto inquinas políticas como alegorías fascistas; algo bastante evidente una vez visto su trailer (¿alguien ha nombrado Guantánamo?).

Una cinta a priori interesante, donde ojala el discurso violento no sirva de mera cortina de humo para un argumento vacío – creo que los personajes de los “policías” pueden dar mucho de si, así como el paisaje boscoso que, para que negarlo, da bastante “cangelo” -. Apunto de estrenarse al otro lado del charco, y que pese a venir tras la estela de cientos de películas anteriores (no parece este el momento ni el lugar para soltar una diatriba sobre el cacareado “torture porn”), refleja una manufactura más que correcta y un sabor a thriller “añejo” que invitan a seguirle la pista al proyecto.
Premios aparte, esperamos más noticias de una nueva revisión del subgénero “no vayas nunca de viaje”…

Tras la consabida publicidad… el trailer (¡qué tiempos vivimos que hasta para ver un miserable trailer tenemos que tragarnos anuncios!)

POR: Bob Rock el 24/05/11
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Hobo with a shotgun

Hobo en la ciudad del pecado

Hobo with a shotgun

  • Título original: Hobo with a Shotgun
  • Nacionalidad: Canadá/USA | Año: 2011
  • Director: Jason Eisener
  • Guión: John Davies
  • Intérpretes: Rutger Hauer, Molly Dunsworth, Brian Downey
  • Argumento: Un viejo indigente decide impartir justicia en Scum Town con la única ayuda de su escopeta.

LA VALORACIÓN:

85 |100

Estrellas: 5

Hobo with a shotgun

Con motivo del estreno del díptico Grindhouse de Quentin Tarantino (Death Proof) y Robert Rodríguez (Planet Terror), se organizó un concurso de fake trailers del que se alzó como triunfador el canadiense Jason Eisener con el trailer de una, por aquel entonces, inexistente película titulada Hobo with a shotgun.

Cuatro años más tarde y después de que el propio Robert Rodríguez llevase a cabo en 2010 la adaptación de Machete, otro de los falsos trailers que acompañaron a Grindhouse en su estreno, ha llegado la hora de que Hobo with a shotgun se vuelva purulenta, grotesca y jodidamente real.

Los cansados huesos de un viejo indigente que viaja en tren sin destino conocido, recalan en un infierno urbano conocido como Scum Town. Su intención no es otra que la de sobrevivir en las calles gracias a las limosnas que vaya logrando día a día y permanecer totalmente ajeno a los problemas que asolan la ciudad. Pero una prostituta en apuros despierta su instinto protector y acaba enfrentado a un mafioso local que controla con mano férrea cada uno de los rincones más oscuros de una ciudad que apesta a corrupción, perversión y podredumbre.

Armado con una simple escopeta, Hobo, que así se llaman el indigente, sembrará el caos en Scum Town y pondrá en pie de guerra a toda la escoria de la ciudad, incluidos un par de guerreros motorizados y ataviados con armaduras a los que se conoce con el nombre de La Plaga.

Tras los primeros instantes de Hobo, en los que vemos a su protagonista, un inconmensurable Rutger Hauer, viajar en un solitario vagón de tren recorriendo unos paisajes saturados de color (simpática la credencial de “Color by Technicolor”) al compás de una impresionante banda sonora (y os lo dice alguien cuyo oído musical es prácticamente nulo); podemos empezar a extraer las primeras conclusiones: Hobo with a shotgun rememora a la perfección los direct to VHS de principios de los 80. Y lo hace sin necesidad de llenar la pantalla de arañazos, quemaduras, variaciones de color y otros recursos de similiar catadura a los que han recurrido un buen número de subproductos en los últimos años para justificar su adhesión al, en ocasiones, mal llamado grindhouse.

De modo que en el plano formal Hobo with a shotgun que, efectivamente, esconde en su estudiada estética el homenaje a una determinada manera de hacer cine de finales de los 70 y principios de los 80, cumple sobradamente con sus objetivos, hasta el punto de presentarse como un producto mucho más auténtico, y mucho más grindhouse (sea lo que sea que quiera significar dicho término) que el díptico de Rodríguez/Tarantino al que hacia referencia en el inicio de esta reseña.

Pero una vez queda claro que visualmente Hobo with a shotgun es una auténtica gozada para nostálgicos empedernidos, queda dilucidar si la película de Eisener va más allá de un envoltorio atractivo y logra eregirse como lo que realmente pretende ser: un exploit provocativo, rabioso y tremendamente divertido.
Por mi parte no cabe ninguna duda. Hobo with a shotgun es todo esto y mucho más. A través de una historia sencilla que nos trae a un solo tipo enfrentado, con la única ayuda de su vieja escopeta, a la corrupción de toda una ciudad (un argumento que el propio Clint Eastwood hubiera hecho suyo para cualquiera de sus viejos westerns), Hobo with a shotgun es capaz de ofrecernos uno de los más delirantes, surrealista, degenerado e histriónico espectáculo cinematográfico que he tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos.

Eisener lleva a sus personajes al límite, de manera que mientras Hobo es todo un compendio de valores humanos (justicia, caridad, compasión…) capaces de emerger de la marginalidad más absoluta y manchados por un reguero de sangre (no olvidemos que, a pesar de sus valores, Hobo no deja de ser un antihéroe que resuelve los conflictos tomándose la justicia por su mano… y de manera extraordinariamente violenta); todos los villanos de Scum Town son el paradigma de la locura, la maldad y la irracionalidad llevados a tales extremos que acaban rozando la parodia o la caricatura. Y no solo la variada fauna de excéntricos y excesivos personajes que pueblan Hobo with a shotgun son un rotundo acierto. Eisener también es capaz de modelar una caótica ciudad, Scum Town, en la que cada rincón es un agujero de corrupción e inmoralidad. Una moderna Sodoma y Gomorra que sucumbirá, no ya ante la ira de un Dios vengativo, sino ante el cabreo monumental de un homeless dispuesto a defender su ideal de justicia a tiro limpio. Prostitución, drogas, rapto de menores, violencia gratuita, corrupción de las instituciones públicas, violación, tortura, asesinato, incluso un Santa Claus pedófilo que ya aparecía en el trailer original… de todo cabe en Scum Town… y en grandes cantidades.

Y una vez sabemos quién es el bueno, quiénes son los malos, cual es el escenario, y cual el conflicto (no hay sorpresas al respecto)… es la hora del espectáculo. Violencia, gore, mucho humor negro y un puntito de surrealismo (genial el destino final de uno de los hijos del villano). Secuencias tan impactantes como la del autobús escolar al ritmo del Disco Inferno de los Trammps, la del desgraciado hombre-piñada vapuleado por un trio de putas en topless, o la memorable presencia de La Plaga (Dios… necesito ver a estos tipos nuevamente en acción… y pronto); son solamente algunos de los detalles que hacen de Hobo with a shotgun una de las experiencias más satisfactorias que he tenido la oportunidad de disfrutar en muchísimo tiempo.

A todo ello hay que sumarle unos deliciosos diálogos que muy probablemente hubiera firmado el mismísimo Tarantino y que, en aquellos instantes en los que el gore y la violencia no son los protagonistas principales, logran que la película mantenga un excelente nivel y que el espectáculo no decaiga en modo alguno.

Una película distinta. Extraña. Una auténtica rareza. Inmoral, excesiva, grotesca, esperpéntica… y muy, muy divertida. Y por si fuera poco Hobo with a shotgun supone el resurgimiento de sus cenizas del que para muchos es un artista de culto: Rutger Hauer (Blade Runner, Lady Halcón). La suya es una de esas actuaciones que te hacen pensar que la película no podría existir sin su participación, sin su mera presencia. Hauer es el único Hobo posible. Su interpretación derrocha fuerza y honestidad, y suyo es todo el mérito de lograr que su personaje siempre sea creíble, por más que el argumento de la película tienda peligrosamente hacia la insensatez o la paranoia.

Una paranoia perfectamente encarnada en el personaje de Drake, un mafioso con aires de grandeza que tiene atemorizada a la población de Scum Town y sobornado a todo el cuerpo de policia. La némesis perfecta de Hobo gracias en buena parte a la desmesurada interpretación de Brian Downey, capaz de ofrecernos un imposible abanico de gestos faciales tan solo al alcance de un Bruce Campbell (saga Evil Dead) en plena forma.

No me queda nada por añadir. Disfrutadla. Dadle una oportunidad. No es una película fácil, y muy probablemente no gustará a todo el mundo. Pero os aseguro que vale la pena correr el riesgo. Hobo with a shotgun está, como mínimo, a la altura de sus padres putativos, Planet Terror y Death Proof; y sin duda alguna le da sopa con ondas a su hermano bastardo, Machete. Altamente recomendable. ¡Larga vida a La Plaga!

Lo mejor: Humor, gore, fotografía, música, interpretaciones, diálogos... y por supuesto "La Plaga"

Lo peor: Lo de siempre... ¿se distribuirá de algún modo en nuestro país?

POR: Joan Lafulla el 23/05/11
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