Desde los primeros fotogramas de este nuevo Candyman se notan las ganas del producto de gustar; de enganchar a una nueva generación en la espesa pesadilla que proponía Bernard Rose en 1992 con Candyman, el dominio de la mente. Comenzar con las cartelas de las productoras implicadas en este film invertidas, como si las viéramos reflejadas en un espejo y sonando de fondo el tema de “The Candyman” de la versión de 1972 de Willy Wonka and the Chocolate Factory, son una excelente forma de atraparnos; aunque transmiten un aire desenfadado que contrasta con el espíritu de terror elevado, entiéndase por ese terror de marcado carácter autoral que utiliza el escalofrío para denunciar un tema o lubricar un drama, que predomina en el resultado. Puede que ahí radique el mayor acierto de esta actualización, pero también la mayor objeción: el jugar al despiste en sus intenciones durante casi todo su metraje. Pero como lo que le gusta al espectador del cine de terror es ser zarandeado, podemos decir que lo nuevo de Jordan Peele (en este caso como productor y guionista) logra un resultado notable; pese a que su trazo grueso en su denuncia social, a punto está de lastrar todo el conjunto.

Treinta años después de los acontecimientos de Candyman, el dominio de la mente, las desventuras de la socióloga que investigaba la leyenda urbana de Candyman se han transformado también en un mito. Cuando el artista plástico Anthony McCoy conozca la historia verá en ella la base sobre la que construir todo un discurso creativo. Sin saberlo ha conectado con una fuerza sobrenatural implacable, que pondrá patas arriba todo su mundo. El hombre del garfio regresará al barrio de Cabrini Green en Chicago convertido, gracias a la gentrificación, en un punto de reunión de artistas, intelectuales y emprendedores con buena estrella.

Empezar diciendo que la elección de incluir una reseña de Annette en esta página, parte más de un capricho personal que de su adecuación a los contenidos habituales de nuestra web. Podría haber optado por otra película cuyo visionado tengo muy reciente como es Escape room 2, pero creo que un director como Leos Carax y un trabajo tan imperfecto y astracanado como este film merece ser comentado, aunque su historia de fantasmas sea un mero aderezo en este operístico drama.

Henry, un famoso y polémico monologuista y Ann, cantante de ópera internacionalmente conocida, se han enamorado. Juntos viven su romance bajo la atenta mirada de la prensa rosa, que los ha elegido como la pareja más glamurosa y atractiva de la temporada. Entre celebraciones de éxito y sexo apasionado van pasando los meses, hasta que Ann queda embarazada y alumbra a Annette. Una felicidad tan inmensa no puede durar mucho y pronto la tragedia, los celos profesionales y un asombroso don en la pequeña, lo cambiará todo.

Kill Bill, de la que sin duda alguna es deudora la que nos ocupa, dejó muy claro que el cine de acción podía ser igual de efectivo y frenético protagonizado por una mujer. Luc Besson es también otro realizador empeñado en sofisticar la acción agregando bellísimas actrices a la fórmula. Los ángeles de charlie, Aeon Flux, Terminator II, Aliens o Los juegos del hambre, por mencionar a vuelapluma películas con potentes heroínas, demuestran que se puede dar muchos golpes sin renunciar a un buen tacón o carecer de un bíceps como una pata de jamón de jabugo. Gunpowder Milkshake, por tanto, no inventa el hilo negro; ni su argumento ni su irreverencia puede sorprendernos, pero el resultado logra saltar lo suficientemente alto en varios aspectos para merecer nuestra atención y algún que otro aplauso.

Eva (Karen Gillan) es la segunda generación de mujeres asesinas que emplea una misteriosa organización llamada la firma. Su madre (Lena Headey) fue una excelente sicario hasta que un día desapareció y borró todo su rastro. Quince años después la familia se reencuentra, cuando Eva se mete en dos líos peliagudos: Ha asesinado en una refriega al hijo de un mafioso rival y para salvar a una niña de ocho años ha echado a perder una lucrativa misión. Ahora perseguidas por todos, buscan el apoyo de antiguas compañera del hampa. La noche será larga y el número de muertos incontable.

Exceptuando Airbender, donde Shyamalan partía de personajes ya creados para construir una historia completamente original, Tiempo es la primera cinta de este guionista y realizador en la que adapta la obra de otro. Concretamente toma de punto de partida el comic Castillo de arena, de Pierre-Oscar Lévy y Frederick Peeters. Pese a infinidad de cambios y a simplificar el número de personajes, e incluso de inventar una segunda trama, que trata de explicar sino el misterio sí el porqué de la situación que presenta, se mantiene el espíritu de la novela gráfica original con bastante fidelidad.

Varias familias de vacaciones acuden a una remota y secreta playa. Una vez allí, descubren que una misteriosa fuerza les retiene en su interior y que sus cuerpos están envejeciendo a una velocidad endiablada. Comienza una carrera a contrarreloj para salir de la zona antes de que la fatiga y la enfermedad terminen por consumir a todos... pues cada hora que pasa equivalen a dos años de vida.