La miniserie de Craig Mazin (responsable de películas como ‘Scary Movie 3’ o la segunda y tercera parte de ‘Resacón en Las Vegas’) está causando sensación y revolucionando las redes.

Coproducción entre los canales HBO, de Estados Unidos, y Sky de Reino Unido, Chernobyl, reproduce minuto a minuto el accidente de la central nuclear soviética. Un relato conocido y documentado, pero que cuenta con el villano más terrorífico de todos: la estupidez humana.

Ya auguro comentarios a esta reseña criticando que no se trata de una serie de terror, ni de ficción, ni sobrenatural…así que, ¿qué hace esto en Almas??, pues veréis, para mí la respuesta es muy sencilla (más allá de la simple aunque no por ello menos válida de porque nos apetece a los que en ella escribimos), y es que opino que un espectador se puede acojonar vivo con un alienígena, un fantasma o unos zombies, pero en general siempre media un pacto con la película, saber que es ficción. Sin embargo, que un problema político desemboque en una guerra y que esa guerra llegue hasta las últimas consecuencias, una conflagración nuclear, no es tan descabellado. Ya estuvo a punto de suceder en los 60 y todo el mundo tenía en cuenta que en cualquier momento podía acabar su vida de un chispazo. Por esos derroteros iban fenómenos culturales como el punk, con su eslogan No Future, o películas como El planeta de los simios y el género post-apocalíptico.

Después de varios multipremiados cortometrajes (Ida y Vuelta, La Viuda e Inside The Box, nominado incluso al Goya por este último), el director salmantino David Martín Porras nos trae su segundo cortometraje: The Chain, un inquietante thriller psicológico anclado en la relación paterno filial y el miedo a hacerse responsable de las propias decisiones.

La película, que compite dentro de la Sección Oficial de El Festival de Cine Fantástico de Bilba*o (FANT), fue presentada el pasado 8 de mayo por el director del Festival, Justo Ezenarro, con la presencia de su director y sus actores: J*ohn Patrick Amedori (Dear White People, Gossip Girl), Neus Asensi (La niña de tus ojos, La reina de España), Adrienne Barbeau (La niebla, La cosa del pantano) y Ray Wise (Mad Men, Twin Peaks). Estará en las salas de cine a partir del próximo 17 de mayo.

Como decía Emmett “Doc” Brown, alterar los acontecimientos del pasado podría implicar una paradoja en el espacio-tiempo. Esto que nos parecía tan complejo de entender pero que tanto nos molaba cuando veíamos “Regreso al futuro”, es mucho más comprensible cuando visionas “Durante la tormenta”. O lo que es lo mismo, cómo una acción positiva puede desencadenar algo negativo y con consecuencias terribles en las vidas de los protagonistas.

Bajo esta premisa arranca la tercera película que Oriol Paulo dirige para la gran pantalla y con la que, como ya hiciera con “El cuerpo” (2012) y “Contratiempo” (2016), el barcelonés consigue un producto final trabajado, muy entretenido y de ínfulas hitchcockianas.

La película encandila a los nostálgicos como yo con constantes guiños a los 80’s, utilizando temas musicales como “Time after time” de Cyndi Lauper (1983) o “Baby, I don’t care” de Transvision Vamp (1989), y homenajeando claramente al Zemeckis y su maravillosa “Regreso al futuro” (Nico en patinete al más puro estilo Michael J. Fox, ese rayo que cae sobre el reloj del colegio y, por supuesto, la tormenta que es capaz de modificarlo todo. Además, cuando Vera y David van al cine, en la sala proyectan otras dos películas de Zemeckis: “Náufrago” y “Contact”)

Aunque la gran fuente de inspiración de la que bebe esta cinta resulta ser el argumento de “Frecuency” (Gregory Hoblit, 2000). Para aquellos que no se acuerden o no la hayan visto sólo recordar que era la historia de un detective de homicidios que lograba contactar con su difunto padre a través de una señal de radio alterada por una especie de aurora boreal. También, los aficionados a la ciencia ficción podrán apreciar la influencia de “La zona muerta” (David Cronenberg, 1983), ya que cuando Vera da la mano percibe cosas, al más puro estilo Johnny Smith.

Lo reconozco, siempre he sido muy fanática de las antologías. De pequeña disfrutaba como una enana con cada capítulo de Cuentos de la cripta o La dimensión desconocida. Y cómo olvidarse de los Cuentos asombrosos… todas ellas bocaditos de diversión, historias fantásticas y un terror “ligth” para los inicios de una servidora en su andadura por estos géneros. O sea que, a su correspondiente nivel, ya imaginaba que Love, Death & Robots y yo nos íbamos a llevar bien. Pero no pensaba que tanto.
La animación siempre ha sido una de las formas quintaesenciales del arte audiovisual: una tormenta de creatividad que puede y debe proponer soluciones únicas a historias que no se parezcan a nada que hayamos visto antes, ya sea en el mundo del cine o de los videojuegos.

Y bajo esta premisa nace Love, Death & Robots, el particular proyecto de Tim Miller (Deadpool) y David Fincher (Seven, El club de la lucha). Se trata de una antología animada de 18 cortometrajes donde ninguno de ellos tiene nada que ver con otro. Los creadores de cada pieza tenían vía libre para el uso de cualquier técnica de la animación más avanzada actual (dos dimensiones, tres dimensiones rotoscópicas, CGI, dibujo a mano, etc) Solo había un requisito para formar parte de esta antología, que contenga los tres elementos que lleva en su nombre: amor, muerte y robots.