El último onvre bibo, de Daniel Aguirre y Luna Martín.

Este año tuve el placer y el honor de ejercer de jurado en el Festival de Cortometrajes de Brigadoon durante la celebración de la pasada edición del Festival de Sitges. Antes de nada permitidme darle las gracias a la organización del Festival, a Diego López, programador de Brigadoon; a Sandra, mi ángel de la guarda durante los días que estuve por Sitges y a mis compañeros de jurado Susana (con la que fue un placer hablar de las películas que íbamos viendo durante el Festival) y Sam (del que hablaremos muy pronto en estas mismas páginas). Y ahora entremos de lleno en materia…

Fueron un total de 14 cortometrajes repartidos en dos tandas durante el primer fin de semana de Festival. El ambiente, durante las dos jornadas, fue espectacular. La sala Brigadoon estaba llena hasta la bandera y, si no me equivoco, hubo espectadores que tuvieron que quedarse fuera debido a la limitación del aforo. Lástima… Pero en cualquier caso el público que logró entrar estuvo entregado de principio a fin y muy predispuesto a reir, sorprenderse y aplaudir a la práctica totalidad de cortometrajes que se exhibiron a concurso. Si tuviera que definir con una sola palabra la selección llevada a cabo por el Festival sería la siguiente: diversidad. Tuvimos todo tipos de cortometrajes: graciosos, terroríficos, dramáticos, angustiosos, repletos de acción… No faltó prácticamente de nada y era habitual ver como el público pasaba de la carcajada a la inquietud en cuestión de minutos.

Me gustaría destacar algunos de los cortometrajes que tuvimos la oportunidad de disfrutar durante la celebración del concurso. En primer lugar acordarme de La Número 4, un espectacular corto dirigido por Sara Pons, con un acabado formal magnífico (espectacular la fotografía) y que fue una de las propuestas más puramente terroríficas del Festival. Imprescindible. Estuvo, hasta el último momento, entre los candidatos a llevarse el primer premio.

Hoy Almas Oscuras se viste de gala para presentaros De tanto verla de frente, una emocionante y emotiva pieza animada que pudo verse en el Phonetastic durante la pasada edición del Festival de Sitges y que lleva la firma, ni más ni menos, que de nuestro querido compañero Jesús Pamplona, quién últimamente firma sus artículos en el blog como Tito Jesús.

Jesús ejerce la profesión de diseñador gráfico en RTVE, y durante su carrera ha realizado un buen número de animaciones para eventos y publicidad, pero siempre habían sido trabajos hechos por encargo. De tanto verla de frente, inspirado en un poema del artista Rafael de Penagos y con locución de Amparo Pamplona, es su primera obra 100% independiente. La pieza animada está realizada, íntegramente, con un iPad2. Consta de más de 1.000 dibujos realizados a mano con un estilo muy suelto que facilitó la labor de Jesús a la hora de abordar tan complicada tarea. Como podréis ver De tanto verla de frente la componen una serie de ilustraciones en blanco y negro cuyos movimientos y transformaciones buscan provocar en el espectador, en paralelo a la extraordinaria locución de Amparo Pamplona, una serie de emociones y sentimientos. El resultado final - aunque quizás esté mal que yo lo diga – me parece extraordinario. Esta historia de una madre que lucha desesperadamente para que la muerte no se lleve a su hija tiene la capacidad de calar muy hondo. El texto es emotivo y las imágenes que lo acompañan, magníficas. A mí (y también a mi mujer… vi el cortometraje final en su compañía) me emocionó. Me llegó. Me dejó tocado. Por lo tanto ahí va mi apaluso para ese artista llamado Jesús Pamplona.

Un par de cosas me quedaron claras cuando tuve la oportunidad ver Ocho, debut en la dirección del joven director Xavier Miralles. La primera es que a Xavier y a su joven equipo de Totem Producciones, que afrontaron la producción de Ocho con más osadía e ilusión que medios, todavía les quedaba mucho camino por recorrer y un amplio margen de mejora. La segunda es que Xavier, guionista también de Ocho, no tuvo ningún problema en asumir riesgos y contar una historia de superación y de tránsito a la madurez que sobrepasaba los habituales límites de un subgénero que acostumbra a ser muy rígido e inerte en sus planteamientos: el slasher. Ahora acabo de ver El árbol sin sombra, nueva producción independiente de Totem Producciones, y de nuevo vuelvo a tener un par de cosas claras: el margen de mejora se ha reducido considerablemente (aunque todavía existe… siempre existirá) y Xavier Mirales vuelve a arriesgar con un survival que tiene su mejor baza en unos jóvenes protagonistas cuyas vidas, cuyos anhelos, cuyos sentimientos marcarán su destino final.

Ingrid está a punto de cambiar de ciudad para ir a la universidad y Tina, su mejor amiga, teme que este cambio pueda separarlas. Junto con sus amigos acampan en un bosque para compartir los últimos momentos antes de que sus vidas cambien con la llegada de los nuevos estudios. No les hace falta nada más que su propia compañía para estar bien, pero en medio de la tranquilidad del bosque se encontrarán con otro grupo de personas dispuestas a demostrarles que ese vínculo no es tan fuerte como ellos creen.

Los primeros compases de El árbol sin sombra puede que apunten a survivals cercanos - por poner un ejemplo – a Eden Lake… Un idílico lago, un grupo de preuniversitarios plantando sus tiendas de campaña y dispuestos a pasar un inolvidable fin de semana, y tres desconocidos contemplándolos desde la orilla opuesta. Pero rápidamente el guión de Miralles y Cati Moyà se esfuerza por ofrecernos detalles acerca de la personalidad de cada uno de los jóvenes protagonistas. Todos ellos están en un momento decisivo de sus vidas. Nuevos estudios, nuevas responsabilidades, nuevas ciudades y quizás nuevos amigos. Algunos afrontan este paso a la madurez con ilusión y determinación, mientras que otros se sienten inseguros y temen ser rechazados y quedarse solos.

Antisocial cuenta la historia de una debastadora epidemia, que se extiende a nivel mundial, y que parece transmitirse a través de una popular red social. Tras su paso por el Festival de Sitges, entrevistamos al canadiense Cody Calahan, director, guionista y productor de Antisocial.

Personalmente definiría Antisocial como un cruce entre “Pulse (Kairo)” y “28 días después”. Pero, ¿cuáles han sido vuestras influencias e inspiraciones para este Antisocial?

28 Day’s Later como película zombie fue una gran influencia. Para el proceso de decadencia de algunos personajes nos inspiramos mucho en el cine de David Cronenberg; en películas como Videodrome. Más allá de las películas en sí, nos sirvió de mucha ayuda Youtube. Vimos todos los vídeos que pudimos de “found footage” , disturbios, peleas, y cosas mucho peores. En realidad, Youtube se convirtió en nuestra mayor fuente de inspiración.

Sé que has trabajado en todos los niveles cinematográficos, desde producir, actuar, y recientemente, dirigir; pero que ante todo, has trabajado como productor, es decir, “haciendo películas”. ¿Qué es lo más apasionante de “hacer películas”? ¿Serías capaz de describir el proceso?

Cada película es diferente, así que creo que cada una tiene sus propios momentos emocionantes; pero ver como todos los momentos de algo que has escrito y te ha obsesionado, cobran vida en la pantalla es, probablemente, lo más emocionante para mí.