Un joven arqueólogo norteamericano se embarca en una peligrosa expedición a las arenas inmortales de Egipto. Escapando a múltiples trampas mortales y de los ataques de monstruos primigenios, la expedición descubre un secreto más antiguo que la historia, un peligro más allá de la imaginación. Los “durmientes” han despertado, los Dioses se alzan y la cuenta atrás para el fin del mundo ha comenzado.

Uno no sale de su asombro, el género fantástico es el que más sorpresas le proporciona a sus fieles, a veces demasiado, seguidores. Este es el caso de “Prisoners of the Sun”, una película de 2013 que ahora se estrena en Inglaterra en DVD como afrenta a los antiguos dioses de Egipto. ¿Por qué digo esto? Pues resulta que “Dawn of the Mummy” (como ahora se vende a la interfecta) se supone un remake de la locura que fue la original de 1981, dirigida por un egipcio pasado de rosca: Frank Agrama. Además fue realizada con dinero y resultados netamente italianos, pues la mentada intentaba sacar provecho del “Zombie” de Romero, pero mezclando momias con estética netamente casposa. Por si fuera poco intentar justificar una revisión de semejante serie b, resulta que su director es ni más ni menos que Roger Christian, el pobre desgraciado que accedió a filmar los destellos megalómanos de Travolta en aquella obra maestra de lo absurdo que fue “Campo de batalla: la Tierra”, así como ganador de un Oscar por su participación en “La Guerra de las Galaxias”. Y si la ecuación os parece llena de incógnitas añadiremos al mando del guion a Peter Atkins y Anthony Hickox, responsables en conjunto de muchas continuaciones de “Hellraiser”; y, en particular cuando citamos al segundo, responsable de la genial “Waxwork”, una de mis películas favoritas de todos los tiempos.

Un grupo de supervivientes se encuentran en medio de un apocalipsis zombie, y lo hacen sobreviviendo de buen humor, hasta descubrir que el gobierno es quién está detrás del desastre. Eso los pone de muy mal humor, una tensión que sólo se puede descargar machacando muertos vivientes.

Las adaptaciones de video juegos se han erigido como un jugoso negocio para productores desalmados, en el sentido de importarles bien poco la obra original, en estos tiempos que corren. Mientras que Uwe Boll desataba la veda con sus infames interpretaciones de clásicos como “House of the Dead” o “Alone in the Dark”, otros más listos y apoyados por mayores presupuestos se anotaban un tanto, es el caso del señor Paul W.S. Anderson y la saga “Resident Evil”. Lo que resulta curioso es que estas adaptaciones suelan tener como objetivo títulos nipones, algo tendrán los video juegos del país del sol naciente. Así conocemos de la reciente y prometedora “Fatal Frame” (bueno, en realidad nacida de una novela) o esta “Dead Rising: Watchtower”, que viene a dar vida a la reciente saga de Capcom, serie que con cuatro juegos a sus espaldas se ha erigido como un pasatiempo fabuloso y lleno de humor para machacar zombies a diestro y siniestro. Y ese espíritu socarrón fue estrenado ayer mismo en estados unidos vía VOD (y, si no me equivoco, Xbox), con claros visos de ofrecer zombies, acción descerebrada, chicas guapas, armas imposibles, gags facilones y un poco de sangre. El mismo coctel que contenía su versión para consolas. Nada ni especialmente sesudo ni producido con millones de dólares.

Mike es un periodista invitado, por una productora, a pasar una noche en el Museo de Cera de Barcelona, que se supone encantado (de conocerle). Presto se decide a participar en la especie de documental que le tendrá a él como protagonista mientras graba con varias cámaras su estancia. Allí descubre que la estrella de la función es la estatua del Dr. Knox, un asesino en serio, encerrado actualmente en prisión, cuyos crímenes caníbales escandalizaron a la opinión pública. Al tiempo de aburrirse viendo cintas de los asesinatos del doctor (pues este gustaba de grabarse para la posteridad), descubre que el asesino ha escapado de prisión. ¿Habrá acudido a visitar al pobre Mike? Pronto se iniciará un juego del gato y el ratón que nos sacará de dudas…

Durante las décadas de los sesenta y setenta proliferó en España la producción de terror fantástico, liderada por tipos la mar de simpáticos como Jess Franco o Amando de Ossorio, que acabó siendo denominada como “Fantaterror” (no confundir con un refresco aterrador), una época que un servidor no mitifica pero respeta tanto por algunos de sus títulos como por su importancia dentro del marco social que vivía la piel de toro. Sin embargo, amarga decepción la que representa “Wax”: donde algunos quisimos ver una reinvención de la citada época haciendo uso de nuevas narrativas, ahí queda como found footage más falso que la sonrisa de tu jefe, lo que tenemos es otro truño más que apostilla, tristemente, el mal estado del terror patrio, muy en línea de las trágicas sensaciones que dejaba “La Herencia Valdemar”. Un escalón por encima de ésta, el debut en el largometraje de Víctor Matellano (al cual todos los aficionados valoramos muy positivamente su “¡Zarpazos!”, tanto en versión escrita como documental) termina por ser una magnífica oportunidad perdida, ocasión para reivindicar una forma de realizar cine, barata pero elegante y llena de lo que gusta al aficionado base (atmósfera, sexo y gore), que se pierde entre los vericuetos de un guion insostenible y falto de gracia, al que se unen de forma negativa un buen número de elementos de la producción. Por otra parte, hecho que la emparenta con el cine del que intenta robar ideas, pues a excepción de cintas muy determinadas, el “Fantaterror” tampoco se caracterizó por su calidad intrínseca, si comparamos dicha producción con la de países como Inglaterra o Estados Unidos. Lo que no quita para se trate de un tipo de cine con sabor propio, sin ir más lejos ahí tenemos las gloriosas incursiones en el género que realizó el bueno de *Narciso Ibáñez Serrador.

Bienvenido a la cuarta entrega de este especial sobre casas encantadas. Este domingo nos decantaremos por una contradictoria y polémica cinta nipona, cinematografía donde los fantasma siempre han gozado de un papel primordial. No, no trataremos de “Hausu”, la mayor locura rodada sobre casas encantadas, intentémoslo con un producto un poco más desconocido y moderno que, pese a sus fallos, será de agrado inmediato para los amantes de lo extraño.

Una negligencia médica tiene como consecuencia la muerte de un paciente en el turno de noche de un hospital severamente afectado por los recortes. En ese mismo instante, cuando los médicos al cargo, intentan ocultar el accidente, un nuevo paciente es traído al recinto, uno que muestra los signos de una extraña infección, la cual se irá haciendo poco a poco con el edificio hasta convertirlo en un espantoso muestrario de pesadillas.

Estamos ante una cinta genuinamente extraña, convertida en leyenda para algunos, un auténtico bodrio para otros. Sin decantarme por un bando u otro, en lo personal me resulta una película muy apetecible, siempre que uno esté ya curtido en películas de horror japonesas. En concreto, “Kansen” (o “Infection”) marcaría la línea descendente, quizás la última película notable, que ha adoptado el cine de terror nipón donde los viejos éxitos de “Dark Water”, “Marebito”, “One Missed Call”, “Kairo”, “Ringu” o “Ju On” quedan a más de una década de distancia. Con una primera mitad bastante lenta, el surrealismo se apodera de la pantalla, sin una explicación coherente detrás, para mostrarnos los horrores de un hospital fantasmagórico que sigue la escuela creada por las primeras partes de los video juegos “Silent Hill”, mezclada con distintas influencias que van desde Argento, por los colores saturados y los planos inclinados, hasta Lovecraft por el nihilismo cósmico escondido tras su desangelada conclusión. Y como tales referentes, se aleja de la racionalidad intentando usar el lenguaje de las pesadillas, su misión es producir terror psicológico en la audiencia sacándola de la zona de confort sustentada por la lógica. Aspiración lograda a medias, quedando en entredicho a causa de unas actuaciones que no sólo aumentan la sensación de confusión, sino que también aportan una comicidad involuntaria que rompe esa ambientación onírica tan bien desarrollada. A veces, como pasaba en “One Missed Call”, estamos bordeando la atracción de feria barata antes que la poesía del mejor Kurosawa o Nakata, lo que resta muchos enteros a una cinta que, más natural, podría haber sido espeluznante. Era un buen punto de partida, en cuanto a la visión terrorífica del asunto, situar la acción en un hospital ruinoso envuelto en una iluminación espectral; sin embargo, los efectismos dinamitan el ambiente de ultratumba…