Seguro que muchos guardáis buen recuerdo de una modesta película llamada Picth Black (2000). Aquella entretenida mezcla de ciencia ficción y terror dio a conocer a Vin Diesel justo antes de que llegasen sus carreras de coches tuneados. De hecho, con la fama y el caché elevados, repitió como su personaje principal, el carismático presidiario Riddick, en una secuela mucho más cara y enfocada en la acción titulada Las crónicas de Riddick (2004), que pese a ser bastante mediocre y no cosechar buenas cifras en taquilla, confirmó cierto culto alrededor de su personaje. Es ahora, con Diesel viviendo un buen momento gracias al bombazo comercial de Fast & Furious 5 (2011), cuando el musculoso actor se ha dado cuenta de que, si quiere mantener su popularidad, debe continuar con lo conocido.

Traicionado por su propia especie y dado por muerto en un planeta desolado, Riddick lucha por sobrevivir contra depredadores alienígenas, convirtiéndose en un ser más poderoso y peligroso que nunca. Pronto, algunos de los cazadores de recompensas de la galaxia irán a buscarle. Sin embargo, Riddick los tendrá donde quiere, ya que está preparado para perpetrar su venganza justo antes de regresar a su planeta de origen para salvarlo de la destrucción.

¿Recordáis aquella película protagonizada por Sylvester Stallone? Corría el año 1995 (¡Dios mío, han pasado 17 años! ¡Disfrutad de la vida, que es corta!), y el action-hero italoamericano se puso el traje del Juez Dredd en una superproducción de 90 millones de dólares de la época, recibiendo palos por todos los frentes. Y con palos me refiero a que la crítica la masacró y el público la condenó a un fiasco relativo (113 millones recaudados alrededor del mundo) y al olvido prematuro debido a los pocos aplausos recibidos. Muchos fans se sintieron insultados, y su director, Danny Cannon, tras esta y la horripilante Aún se lo que hicisteis el último verano (1998) se vio condenado a no tener página en Wikipedia. ¿Malos augurios para el personaje en el cine, verdad?

Tampoco hay que ser tan exagerados. Si bien es cierto que la película no gustó y decepcionó a mucha gente, en lo que a mí respecta, aunque sea mala, nunca me ha parecido aburrida. Al contrario, si no fuera por la irritante presencia del siempre irritante payaso Rob Schneider sería un entretenimiento bastante digno. La opinión variaría, para mal, analizándola como adaptación.

El caso es que, aunque haya tenido que pasar más de una década, en Hollywood han visto de nuevo el potencial al legendario juez, jurado y ejecutor creado en 1977 para el mundo del cómic por el guionista John Wagner y el dibujante Carlos Ezquerra. Así, en septiembre (España el 7 y USA el 21) llegará a los cines Dredd 3D, un reboot con equipo completamente renovado, en el que tenemos tras las cámaras a Pete Travis, del que conocemos poca cosa, aunque no le fue del todo mal con el thriller En el punto de mira (2008). En el reparto, el Juez lo interpretará esta vez Karl Urban, visto como protagonista en El guía del desfiladero (2007) o de secundario en Red (2010) o El sicario de Dios (2011), al que acompañan, en el lado de los buenos Olvia Thirlby (la Juez Anderson), y en el de los malos Lena Heady (Ma-Ma).

En 1989, Tim Burton puso a Batman en boca de todo el mundo. Así, el personaje más exitoso, con permiso de Superman, de la DC Cómics, por fin contaba con la adaptación cinematográfica de envergadura largo tiempo esperada. Además, el hombre murciélago es, posiblemente, el superhéroe (en realidad justiciero) con más tendencia a lo oscuro, a lo gótico, en definitiva, a lo melancólico. Y ahí el excéntrico cineasta tenía mucho que decir. El tremendo éxito de Batman, la película, fue el inicio de una saga que terminaría en desastre: si bien Batman vuelve (1992), que también dirigió Burton, resultó un capricho gótico y personal interesante y visualmente impecable, la mediocre Batman Forever (1995) y la infecta Batman & Robin (1997), ambas con dirección de Joel Schumacher, corrompieron al personaje hasta el límite de caer en el olvido cinematográfico. Afortunadamente, en 2005 uno de los mejores directores de la actualidad cogió las riendas y se produjo la resurrección.

El murciélago en viñetas: De Bob Kane a Frank Miller

La primera aparición de Batman data de 1939, y se produjo en el número 27 de Detective Cómics, en la historia El caso del sindicato químico. Creado por Bob Kane y, aunque luego no se le reconoció la autoría, Bill Finger, nos presentan a un empresario multimillonario, Bruce Wayne, que después de ser testigo en la niñez del asesinato de sus padres, jura venganza contra la delincuencia de su ciudad, Gotham City. Para ello se somete a un brutal entrenamiento físico y mental, y gracias a su intelecto y fortuna tiene a su disposición todo tipo de herramientas que, a falta de superpoderes, le ayudan en su guerra.

Bob Kane había comenzado en el mundo cómic en el 1936, con sólo 18 años, y después de haber estudiado con, entre otros, Will Eisner, que años más tarde crearía uno de los cult-comics por antonomasia, The Spirit, casualidades de la vida, víctima de una desastrosa adaptación al cine en 2008 de la mano de Frank Miller, del que hablaré dentro de unas líneas.

Batman, surgido a raíz de la fama de Superman, consiguió desde el principio un éxito arrollador. No obstante, Kane le dotó de “poderes” muy diferentes al del superhéroe prototípico: únicamente una inteligencia superior y una cuidada preparación física. Así mismo, sus aventuras se enmarcaban más en lo detectivesco que en la acción. El lugar en el que vive Bruce Wayne/Batman no es una ciudad luminosa ni alegre, sino que, imitando a las grandes urbes cotidianas, no variaba sus aspectos oscuros y decadentes, donde el crimen campa a sus anchas. También, a diferencia de otros héroes o superhéroes, Batman portaba armas y, a veces, mataba a sus enemigos. Debido al éxito, en años posteriores se suavizo el nivel de violencia, coincidiendo con la aparición del compañero de fatigas Robin. En 1940 llegó Batman Nº 1, su primer cómic propio.

Entre 1964 y 1985 la popularidad del hombre murciélago bajó varios escalones. Tras diferentes intentos por renovar al personaje (cambios de color en la máscara, eliminación de personajes importantes a cambio de nuevos fichajes o un regreso a la oscuridad inicial), los cambios no surtieron demasiado efecto y únicamente la buena audiencia de la serie televisiva, emitida entre 1966 y 1968, inyectó algo de vida a las viñetas. En los 80 las ventas eran ínfimas y todo parecía indicar que se echaría el cierre, hasta que en 1986 llegó Frank Miller con un clásico entre manos: El regreso del caballero oscuro.

Hay películas que, aunque no jueguen directamente en el género de terror, tienen mucho que ver con él. Y es que el terror no contempla únicamente la posibilidad de amenazas monstruosas, paranormales, alienígenas o criminales, sino que, y muchas veces se trata del

horror más temible, explora nuestra mente. Así, una película como Take Shelter puede entenderse como un drama, como un thriller o como una de terror, siendo las tres opciones igual de validas y, vamos a decirlo ya, magnificas analizadas como tales.

En un pequeño pueblo ubicado en la ciudad de Ohio, un hombre llamado Curtis LaForche comienza a tener extraños sueños de carácter apocalíptico, pero mantiene a su esposa Samantha y a su hija Hannah al margen de los sucesos. Tras pensarlo seriamente, Curtis decide dedicarse a la construcción de un refugio para tormentas en el patio trasero de su hogar, pero sus continuas y extrañas visiones y sueños hacen cada vez más anormal su comportamiento con su familia y compañeros del trabajo. A medida que el pequeño escondite se va construyendo, Curtis teme por descubrir la verdad y el real origen de sus sueños. Éstos cuestionamientos decidirán sí fue mejor construir un refugio con motivo de proteger a su familia del advenimiento de una tormenta cercana, o de sí mismo.

Tal como comenté hace unas semanas en la reseña para Martha Marcy May Marlene (2011), el cine indie estadounidense, cuya etapa dorada fueron los noventa, lleva un tiempo desaparecido en un mar de ambigüedades. Sin embargo, de vez en cuando llegan películas, como aquella o la que nos ocupa, que hacen que la libertad creativa, los guiones originales y los medios escasos pero bien aprovechados, dignifiquen un modo de ver el cine necesario en tiempos de ausencia de riesgo e inventiva por parte de la industria cinematográfica más poderosa del mundo.